'71

Películas centradas en el tema del IRA hay muchas : desde La Sombra del Diablo (aquel film de Harrison Ford y Brad Pitt del que ya casi nadie se acuerda…ni siquiera yo, y del que hace bien poco Brad Pitt declaró que fue el film del que mas se arrepiente haber interpretado),Cinco minutos de gloria (interesante film protagonizado por un gran Liam Neeson),Juego de Patriotas, Desayuno en Plutón (aunque en este film el tema er algo secundario), El viento que agita la cebada (estupendo film de Loach), The Boxer (película…que olvidé profundamente), Juego de Lágrimas (magnífico film de Neil Jordan), En el nombre del padre (la película mas famosa sobre el IRA y todo un clásico) hasta la que me parece la mejor película que trata este tema, Michael Collins (otra maravilla de Neil Jordan).Me gustaría poner Bloody Sunday de Paul Greengrass pero lamentablemente no la he visto, así que no puedo opinar, pero todos lo que la han visto están de acuerdo en que el film ’71, que llega a nuestras pantallas, bebe mucho de aquella película...y aunque dicho film lo tenga pendiente, en lo que si estoy de acuerdo, es que el film que aquí nos ocupa toma prestado el nervio narrativo del director de United 93.

Un joven soldado británico (Jack O’Connell) es abandonado accidentalmente por su unidad durante unos disturbios en las calles de Belfast en 1971.Incapaz de distinguir entre amigos y enemigos, y cada vez mas desconfiado de sus propios compañeros, el inexperto recluta deberá intentar sobrevivir toda la noche solo y encontrar su camino de vuelta a través de un paisaje desconcertante, extraño y mortal.

La gran ventaja que posee ’71 reside ya en su propia premisa: la película es una persecución continua por las calles de Belfast donde apenas hay un momento de descanso para nuestro protagonista…y todo ocurre en un día. Lo que conlleva a un ritmo, no vertiginoso, pero si que mantiene al espectador en continua tensión por ver como se las apañara el soldado para salir del entuerto en el que se anda metido. En ese sentido, el pulso narrativo de su director (que aquí debuta en el largometraje…le tendremos en cuenta para futuros proyectos) es loable y vigoroso, ya que la película está en continuo movimiento construyendo la misma a base de “set pieces” de tensión muy logradas y con mucho nervio. Nos hace testigos de unas calles donde el peligro acecha en cada esquina, y esa sensación está realmente lograda por el cineasta (el primer ataque es puro nervio con una tensión muy bien llevada), que toma prestado el estilo del director Paul Greengrass con una cámara en continuo movimiento, de forma que lo que vemos está ejecutado con la mayor sequedad posible (atención a la magnífica escena de la bomba).

Pero también conlleva a un problema que, es lógico tratándose de una ópera prima: a veces sobresatura tanto la tensión que llega incluso a cansar. Muchos diréis que en el cine de Paul Greengrass también ocurre, pero a diferencia de aquí, consigue un crescendo de tensión muy bien dosificado que hace que incluso se te salga el corazón por la boca. Aquí lo intenta añadiendo mas problemas al protagonista, pero nunca sentimos que haya un crescendo emocional intenso cuando el relato lo pedía a gritos. Esto se debe, como he dicho, a que alarga de forma innecesaria, escenas de tensión que se tornan algo pesadas por su incesante estructura de persecución, y también por que el film quiere atacar por varios frentes (no solo el IRA tiene parte de culpa en todo esto…) sin que se profundice demasiado en ello. Se agradece su sequedad narrativa (en cuanto a lo emocional, especialmente), pero también se echa en falta mas profundidad, quedándose meramente en la superficie, y que su tensión la vivamos con uña y carne y no a base de sobresaturación.

Pero a pesar de todo, para tratarse de una ópera prima, resulta meritoria su ejecución. Sobre todo por que maneja bastante bien los resortes del montaje (aunque la cámara no pare de moverse en las persecuciones de a pie, nos enteremos de todo lo que acontece), y la ambientación que acompaña a la época hace el trabajo de vernos inmersos en esas calles. También sabe manejar a sus actores, que se entregan cuerpo y alma en el film, destacando un Jack O’Connell como sufridor protagonista (un papel muy físico en la que el actor resulta altamente creíble por todo lo que le pasa), y a un niño de 10 años que me pareció increíble por la presencia que desprende en los minutos que aparece (se come a todos sus compañeros de reparto…y su papel no es nada fácil para un niño de su edad).En ese sentido ’71, cumple muy bien los requisitos de una película bien hecha, bien contada y narrada (aunque su final se alargue un poco).

’71 no es el film definitivo sobre el IRA, ni lo pretende. Lo que quiere es que sintamos como sería un día por esas calles mortíferas…y lo cierto es que la experiencia resulta lograda, primero por lo entretenida que resulta en su propio concepto, y segundo, por la tensión que se logra gracias a la atmosfera hostil de sus calles. Cierta sobresaturación empacha un poco el conjunto y no termina de calar hondo en el espectador, pero para tratarse de una ópera prima, desde luego el resultado es muy digno y bastante recomendable.

GENERALIZANDO: buen debut

Puntuación: 6,5

Crítica extraída de Factoría del cine, escrita por un servidor

Autómata

 Gabe Ibañez debutó en 2009 con su primer largometraje, Hierro, en el que contaba con Elena Anaya como protagonista. La película (que se presentó en el Festival de Sitges) tuvo una acogida muy dispar, donde se destacaba el aspecto visual y la interpretación de su actriz protagonista, pero que echaban en cara un guión muy descuidado y predecible. Y lo cierto es que no estaban faltos de razón, pues la cinta, visualmente muy conseguida, no conseguía despertar el interés debido a una premisa ciertamente interesante, que se desaprovechaba ante un guión deslavazado que hacía que una vez visionada la cinta…se olvidara prácticamente de ella. Ahora, el mismo director, vuelve con una propuesta mas ambiciosa, Autómata, que cuenta como reclamos una historia de ciencia ficción harto llamativa y el protagonismo de Antonio Banderas. Una vez visionada la cinta, su director repite las mismas virtudes y defectos de su anterior film.

La sinopsis oficial dice así: En un futuro no muy lejano, en el que la Tierra sufre una creciente desertización, Jacq Vaucan (Antonio Banderas), un agente de seguros de una compañía de robótica, investiga un caso aparentemente rutinario cuando descubre algo que podría tener consecuencias decisivas para el futuro de la humanidad. Banderas produce y protagoniza este thriller futurista, que especula sobre lo que ocurriría si la inteligencia artificial superase a la humana.

Técnicamente, Autómata es un triunfo. Desde sus primeras imágenes, la película nos sumerge con una facilidad pasmosa en el mundo casi apocalíptico (y con reminiscencias obvias de Blade Runner) que nos presentan sus creadores, y desde luego, su trabajo de ambientación es exquisito. La fotografía de Alejandro Martínez aprovecha al máximo los pasajes del film, y en cierta medida sabe diferenciar perfectamente el entorno oscuro y decadente de la ciudad con el desolado desierto de las afueras, manejando un contraste muy bien empleado y controlando cada plano con suma precisión. Los efectos visuales se integran en la historia (y no al revés) con gran acierto, pues recurre a ellos de forma necesaria y no abusiva, y en ningún momentos nos planteamos qué es digital y qué no lo es (algo meritorio en estos tiempos)...no hay momento donde estos se noten, y me parece bastante incoherente su ausencia en este apartado en los premios Goya (algo que escapa a mi incomprensión).Y por último una banda sonora de Zacarías M. De la Riva EXCELENTE que acompaña a la película a la perfección (consigue transmitir mejor las sensaciones que se quieren buscar que su propio guión).

El problema de Autómata es que promete mucho y finalmente da bastante poco. Me explico: la primera media hora nos sumerge en un mundo muy bien retratado con una premisa harto interesante que consigue engancharnos de forma casi inmediata por lo bien que maneja las normas de su propio universo, a la vez que somos testigos de un relato detectivesco que hasta entonces, funcionaba bastante bien en su presentación de personajes.¿ Que ocurre? Que a medida que avanza, el interés decae hasta llegar a unos momentos finales donde la indiferencia hace acto de presencia, primordialmente por que se cree mas importante de lo que verdaderamente es. Sus personajes una vez presentados, nos importan muy poco por lo poco que los desarrolla su guión, que se queda estancado en una misma idea, hasta repetirla hasta la saciedad, consiguiendo así una decaída de ritmo evidente y que la perjudica seriamente. Con esto no quiero decir que el guión sea malo ni nada por el estilo, pero su forma de ejecutar sus ideas resultan predecibles y tópicas (toda la trama de la empresa…mas vista que el tebeo).Y finalmente, como pasaba en Hierro, el poso final que deja es de indiferencia cuando, por las pretensiones que se hacen notar en el film, no era su objetivo, ni mucho menos.

En el apartado interpretativo tenemos a Antonio Banderas soportando el peso del relato, y aunque el carisma del actor siempre se hace notar, quizá este papel le viene demasiado grande (su cojera le va y le viene por antojo, por que sino, no me lo explico), a pesar de lo correcto que resulta (excelente en su escena de desesperación en medio del desierto).Del resto del reparto destacar las apariciones de Melannie Griffith (con tanto bottox en la cara que el Autómata parece realmente ella), Dylan McDermott (muy agradecido su cambio de registro y bastante solvente aunque tópico en su guión) y Robert Foster, interpretaciones que no van mas allá de lo correcto debido a unos personajes que no dan mas de sí. Es como si sus creadores dejaran que el centro interpretativo se base en los autómatas, que, desde luego, resultan ser lo mejor de la función (por cierto…en los créditos figura Javier Bardem como uno de ellos ¿?)

Autómata es un film que, desde luego, se deja ver gracias a un apartado audiovisual magnífico que intenta sacar a flote una historia que no da para saciar un largometraje, estirando las situaciones sin plantear apenas ideas interesantes (y las que tiene, el público se los ve venir desde kilómetros) debido a un guión bastante predecible y tópico que, además, no consigue que conectemos con sus personajes. Aun así, se agradecen sus pretensiones de rodar un film de ciencia ficción en la que visualmente no tenga nada que envidiar a Hollywood (y en ese sentido, es un triunfo), y el hecho de que podamos rodar films de este género mas a menudo.

GENERALIZANDO: cuando la mona se viste de seda....

Puntuación: 5 

Crítica extraida de El blog de cine español, escrita por un servidor

No llores, vuela

No llores ,vuela es uno de esos casos en los que su fecha de estreno se ha ido posponiendo tanto, que , desde mi punto de vista, pensaba que finalmente no llegaría a hacerlo en nuestras salas, y es un caso extraño, pues esta producción lleva gestada desde hace bastante tiempo presentándose en el Festival de Berlin y en el Festival de Malaga del año pasado, y no se sabía aun nada de cuando iba a estrenarse tan interesante proyecto. Interesante, por lo multicultural del proyecto: interpretada por una americana (Jennifer Connelly), un irlandés (Cillian Murphy), una francesa (Melanie Laurent), dirigidos por la peruana Claudia Llosa (directora de La teta asustada) y producida por Francia,Canada y España y rodada en los parajes helados de Canada. Desde luego, es un batido de lo mas curioso que, ya solo con la presencia de Jennifer Connelly, merecía, por lo menos, mi atención. Y estamos de suerte ya que el 23 de enero se estrena por fín la película, aunque el resultado diste mucho de ser excelente.

La sinopsis oficial dice así: No Llores, Vuela cuenta la historia del encuentro entre una madre (Jennifer Connelly) y su hijo (Cillian Murphy), separados por un accidente, y que vuelven a unir sus vidas gracias a una joven periodista (Melanie Laurent).

Dista mucho de ser excelente por que el drama que plantea No Llores, Vuela, no termina de entrar emocionalmente en el espectador. Un viaje emocional que durante buena parte de su desarrollo se mantiene estancado demasiado tiempo sin que tenga un rumbo claro (aunque posee una estupenda escena de tensión em medio de un lago helado). Hubo instantes en esta película donde, sinceramente…no sabía que demonios me quería contar ¿una historia de chamanes? ¿un drama familiar? ¿ un viaje espiritual en busca de la verdad y la reconciliación? No termina de encontrar un rumbo claro durante buena parte de su trayecto (lo que es la sinopsis, engaña muchísimo, pues no se explica la situación hasta bien entrada casi una hora de película) y en es un sus últimos 20 minutos, cuando el relato (por fin) alza el vuelo y nos muestra sus verdaderas cartas, mostrándose estos los mejores instantes de la cinta, sin duda. Pues el ritmo e interés de la misma no avanza, o lo hace hacia ninguna parte, mostrando una frialdad narrativa que en sus últimos minutos consigue salir del capullo en el que está preso. Durante su primera hora mantiene un ritmo lánguido que peligra con aborrecer al espectador pero que milagrosamente, en su último acto, sabe embaucarlo por el buen camino.

Algo a lo que debe atribuirse al estupenda trabajo interpretativo, que consigue sacar adelante el film (y del que seguro, pasaron un frío en su rodaje de mil demonios): Jennifer Connelly sigue demostrando que ha nacido para ser actriz, y desde luego, aquí, aunque no destaque por ser uno de sus mejores papeles, demuestra una versatilidad y determinación que muestran su madurez en sus últimas escenas (sobrecogedoras) como actriz que nos deja encogidos ; Cillian Murphy tiene el papel mas difícil al tratar con un personaje que, de primeras…no cae bien, aunque lo defiende muy bien con el buen hacer que caracteriza a este esplendido intérprete ; y Melanie Laurent consigue está estupenda ante un personaje que también guarda secretos, y lo actriz lo aprovecha de forma maravillosa con firmeza y delicadeza.

Lo que si me gustaría destacar es lo apropiado del entorno con la historia que nos quiere transmitir: un paraje completamente helado, desolado, que enlaza directamente con las emociones de sus protagonistas. Unos sentimientos congelados en el tiempo y que mantienen un estado de auténtica frialdad emocional que su directora, y su director de fotografía, aprovechan bastante bien y con sentido dentro de la película.

No llores, vuela es un drama correcto, bien interpretado cuyo mayor defecto es su estancamiento narrativo, que dan la sensación de que la película navega sin rumbo (debido también a unos flashbacks que rompen constantemente el ritmo interno del relato), aunque afortunadamente en sus últimos minutos consigue transmitir perfectamente ese estado de reconciliación emocional que la misma busca. Quizás es demasiado pedir al espectador esperar tanto tiempo de metraje para que la misma muestre sus verdaderas cartas, y lo cierto es que al final todo sabe a poco, pero gracias al trabajo de sus actores, consigue salir del paso. De forma justa, pero lo consigue.

GENERALIZANDO: pse

Puntuación: 5

Crítica extraida de El blog de cine español escrita por un servidor

Somos lo que somos

Argumento:Los Parker son una familia aparentemente estable. El patriarca, decidido a mantener intactas las tradiciones familiares, gobierna con mano de hierro. Como si de la tempestad de lluvia torrencial que acecha la zona se tratase, la tragedia golpea a los Parker cuando las hijas, Iris y Rose, se ven obligados a asumir responsabilidades que van más allá de las de una familia típica. Su tarea más importante, a partir de ahora, será la de poner la carne en la mesa, pero no el tipo de carne que puede encontrarse en el supermercado local. Las autoridades locales empiezan a descubrir pistas que les acercan al secreto que los Parker han mantenido oculto durante años

Lo mejor : la conseguida atmosfera que se respira, casi asfixiante, consiguiendo un retrato de la America profunda bastante desoladora e inquietante ; la elegante puesta en escena de Jim Mickle, siempre en su sitio, y de un control fantástico de todos los medios que tiene entre manos ; una fotografía esplendida, que dibuja el ambiente con colores apagados y sucios ; los actores...excelentes, especialmente el cuarteto familiar, cada uno en su respectivo rol (sobre todo las jovenes...están maravillosas ); una banda sonora de lo mas apropiada (intimista y usandola solo cuando se es necesario) ; el intento de no hacer un mero calco de la original Somos lo que hay...se agradece que vaya por caminos distintos ; y los últimos 10 minutos...indudablemente, los mejores de la cinta.

Lo peor : un guión forzado (y por momentos risible) que impide que me crea cada una de las situaciones que plantea la película (cómo el detéctive empieza a investigar el caso de nuevo...es de traca),ya que hubo tantos momentos que me sacaron de la película que en ningún momento noté una conexión o interés por ella; un ritmo languido que avanza  con una lentitud que por momentos, me exhasperó ; sus pretensiones...pues se cree mejor de lo que es (debido, repito, a un guión por momentos inverosimil) ; y que, por mucho que diga la gente...la original mexicana, me pareció mucho mas interesante, mas consecuente con su premisa (y eso que tenía cosas en el guión de juzgado de guardia...imaginense el nivel cuando este remake supera esa sensación) y mas entretenida, desde luego.

La escena: la hermana mayor perdiendo la virginidad...y lo dejo ahí.
Pregunta : ¿ por qué esas críticas tan elogiosas a un remake que será elegante y con buena atmosfera, pero con un guión con mas agujeros de guión que un queso grouyere?

Resumiendo, Somos lo que somos me ha supuesto una decepción, y sin dudarlo, el film mas flojo de su director debido a un guión que pide un salto de fé al espectador demasiado grande en algunas de sus situaciones cuando su planteamiento es realista en su tono...algo que choca muchísimo con un film dramático perturbador al que se ha descuidado su desarrollo. Cierto es que se aleja de la original lo máximo que puede, y se agradece, pero de poco sirve cuando no me creo el relato que me estan contando...eso si, tecnicamente...ningún reproche.

GENERALIZANDO: aburrido e inferior remake
Puntuación: 4,5

La Teoria del Todo

Argumento:Narra la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking (Eddie Redmayne) y su primera mujer Jane (Felicity Jones), en la época en que ambos lucharon contra la enfermedad degenerativa que postró al genio en una silla de ruedas

Lo mejor : sin duda, Eddie Redmayne, el mayor reclamo para recomendar esta película, pues su interpretación no resulta para nada fácil, y aunque haya instantes que pueden encaminarse por el terreno fácil (cuando su enefermedad aun no está vigente), hay instantes que resultan sobrecogedores (Stephen tranmitiéndo a su mujer, cerca del final, una noticia importante), y su parecido con Hawking es alucinante; una estupenda Felicity Jones, que soporta su papel de esposa con gran determinación y con mayor peso a medida que avanza la película ; se nota el peso de los actores a medida que avanza el film, y con él, la película sube como la espuma al depositar la confianza en estos (que son lo mejor de la película...atención a la excelente actriz que encarna a su cuidadora); un ritmo solido, que impide que el film decaiga en cualquier tramo del mismo ; los instantes de crudeza en la enfermedad de Stephen...son los momentos mejor dirigidos (la escena de la ópera) y en algunos casos consiguen impactar (el silencio sepulcral cuando le comunican su enfermedad); el magistral trabajo de maquillaje (lo dicho...Redmayne se transforma en Hawking de forma que no emos a un actor bajo su piel); y la correción de todos sus apartados...pasando por un bonito trabajo de fotografía, una música elegante de Johan Johansson ( y que ganó el Globo de Oro), una puesta en escena eficaz...no hay nada que desentone en la producción...

Lo peor: unos primeros minutos (30 minutos...de ahí es nada) que me hacían temer lo peor...pues es como si fuera la versión edulcarada de Una mente maravillosa (y ya es decir, asi que imaginen), sin ningún tipo de tacto con momentos sonrojantes de lo plumbea y pastelosa que es (la historia de amor no posee ni química ni nada por el estilo), sin que haya un atisbo de interés en lo que se nos está contando...menos mal que mejora considerablemente ; que una película de Stephen Hawking se centre primordialmente en temas matrimoniales de infidelidad y amor...dice mucho del "interes" sobre las teorias de este señor ; y que su correción le impide ir mas allá de sus posibilidades.

La escena: la cena entre Hawking, su mujer y el profesor del coro de la iglesia.
Pregunta: ¿ que pinta Emily Watson en esta producción? Lo suyo parece un cameo...

Resumiendo, La Teoria del Todo me pareció algo tramposa, pues parece que estamos ante un producto prefabricado para agradar a todo tipo de público (pensándolo...así es) durante una primera parte donde estuve a punto de dejarla debido al poco interés que se muestra en la historia y en lo poco convincente que resuklta todo...pero afortunadamente, el director deja que el peso de sus actores guie la película, y se nota de forma notable, además, de que se nota un mayor interés en su relato sin que se torne aburrido dejando que te atrape poco a poco. Eso si, quien busque ideas científicas que se ponga otra película...al fin y al cabo,La toeria del todo, es un biopic mas que consigue su proposito de agradar a todo tipo de público, y en eso, no le restaré merito.

GENERALIZANDO: correcto biopic muy bien interpretado
Puntuación: 7

Whiplash

Whiplash comenzó su trayectoria de la mejor manera posible: en el Festival de Sundance. Allí se alzó con dos premios, el de Mejor Película y el Premio del Público ni más ni menos. Las críticas que se vertieron sobre ella no podían ser mejores, y la tachaban como una de las películas mas importantes del año. Este tipo de marketing a veces, juega una mala pasada en una película, pues películas que han triunfado en Sundance son muchas y sus resultados (a veces) distaban mucho de ser excelentes (aún recuerdo las elogiosas críticas de Juno de Jason Reitman…cuyas expectativas no se vieron cumplidas por mi parte a pesar de que era una cinta meramente agradable), y temía que con esta película pasara lo mismo. Siendo unánimes los premios que se está llevando a Mejor Actor Secundario para J.K.Simmons, quedaba por ver si Whiplash cumplía las expectativas que bien marcan su cartel (no hay hueco que no remarque lo excelente que es). Pues bien, otra vez me como mis palabras, por que después de su visionado me ha dejado muy claro que estamos ante la mejor película del 2015 sin discusión.

La sinopsis oficial dice así: Andrew Neiman (Miles Teller) es un joven y ambicioso baterista de jazz, absolutamente enfocado en alcanzar la cima dentro del elitista conservatorio de música de la Costa Este en el que recibe su formación. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza, ansía convertirse en uno de los grandes. Terence Fletcher (J.k.Simmons) un instructor bien conocido tanto por su talento como por sus aterradores métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del conservatorio. Fletcher descubre a Andrew y el baterista aspirante es seleccionado para formar parte del conjunto musical que dirige, cambiando para siempre la vida del joven. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección rápidamente se convierte en obsesión, al tiempo que su despiadado profesor continúa empujándolo hasta el umbral de sus habilidades…y de su salud mental.

No sabría ni por donde comenzar a citar las innumerables virtudes que posee Whiplash. Quizá lo que mas me llamo la atención del film, es que de un tema que, personalmente, me interesaba bien poco, consiguió que no despegara el interés de la pantalla en ni un solo segundo. La fuerza y contundencia narrativa de sus directores es tan aplastante, que es imposible no entrar en el relato, cargado de una intensidad brutal que en todo momento nos deja, dicho coloquialmente, con el culo torcido. Es como si sus creadores cogieran la quinta marcha y de ahí no bajan…eso es Whiplash. Una intensidad emocional  que está manejada con una precisión maravillosa y que sabe en todo momento cómo manejar las tensas situaciones que el propio relato plantea (la tensión que se respira en cada uno de los ensayos de Fletcher es tremenda...hasta el espectador siente como si estuviera allí presenciando ese infierno).

Un relato, por cierto, que puede parecer sencillo y predecible en su estructura (muchacho quiere triunfar en el mundo de la música…y de esas hay miles), pero cuyo desarrollo toma caminos completamente distintos, mostrando un discurso sobre el sacrificio que deja, literalmente, sin habla. Un sacrificio que toma como base el modelo del “sueño americano” desde un punto de vista tan radical que resulta incluso incomodo. Especialmente en una descripción de personajes perfecta donde no hay blancos o negros, sino grises: nuestro protagonista nos es descrito como un muchacho humilde (y tímido) pero que no tiene límites a la hora de pisar y sacrificar  a otros con tal de alcanzar su objetivo (atención a la relación que mantiene con una empleada del cine...parece que el relato puede decaer ahí, pero resulta imprescindible para ver el nivel de sacrificio de Andrew por su objetivo) y Fletcher lo sabe…exprime esa idea del triunfo hasta límites inaguantables por una sola idea que no soporta y que es la que mueve todo el film…el conformismo. Una obsesión que el personaje de Terence intenta inculcar sin que encuentre su objetivo.

Por eso, la lucha de estos dos personajes por conseguir sus metas resulta bien ilustrada, por que comprendemos a sus personajes, a pesar de que no podamos estar de acuerdo con sus principios. Y es ahí donde el papel de sus actores brilla con luz propia: Miles Teller está impecable, mostrando la transformación emocional de su personaje de forma magnifica, y cada ve que toca la batería hipnotiza la pantalla; pero es J. K. Simmons el que, merecidamente, se llevará todos los elogios pues su interpretación en Whiplash es de una energía, sencillamente, deslumbrante…desde su primera aparición, la presencia de su personaje impone de tal forma que se ha creado uno de los personajes mas memorables que nos ha deparado el cine durante estos últimos años (una especie de Sargento Hartman de La Chaqueta Metálica), y su manera de mostrarnos su lado mas cruel y su lado mas humano hace que el público empatice con el personaje de forma inmediata.

¿El resto? Igual de maravilloso. La puesta en escena de Damian Chazelle (un nombre a tener en cuenta) sigue unos parámetros correctos a la hora de mostrarnos la vida de Andrew, pero cuando la música hace acto de presencia, el director saca toda su rabia (como los personajes), y nos sumerge en una montaña rusa musical intensa donde la energía no decae en ni un solo instante, gracias en parte a un montaje SOBERBIO que aprovecha cada uno de estos momentos como si fuera el último (por no hablar de su apoteósico clímax final), y siendo la culpable de que el film vaya con un ritmo espectacular. Respecto a la banda sonora…primordial, necesaria, brillante…podría seguir y no parar, pero, fíjense que el jazz no es de mis géneros preferidos, y en este film adquieren un cariz increíble.

Whiplash es una patada de rabia. Una patada que sienta maravillosamente bien, dejando una sensación de haber presenciado una película que no conoce de puntos flacos. El final, como sus personajes, nos deja exhaustos…exhaustos de GRAN CINE. Esa es la sensación final que deja esta película…tenía que venir una película independiente para darnos con un canto en los dientes a aquellos que aún no creían en la magia y en el poder del cine. Whiplash ha venido para callarnos a todos y a gritar de rabia…lo mas cercano a una obra maestra que veréis este año. De visionado obligatorio.

GENERALIZANDO: OBRA MAESTRA

Puntuación: 10

P.D.: crítica escrita para Factoría del cine, por un servidor

Siempre Alice

Siempre Alice parece estar dedicada a todas aquellas personas que han sufrido la enfermedad del Alzheimer de alguien cercano. Digo esto por que la opinión de la película va a depender ,de manera subjetiva, de la opinión del espectador hacia esta cinta. Lo aviso, primordialmente, por que el tema que trata este film habla sobre algo que me ha tocado vivir muy de cerca en el entorno familiar, de manera que, aunque intente ser objetivo, lo mas seguro es que otro espectador que no haya sufrido un caso similar no tenga la misma sensibilidad sobre el tema que otro que lo haya sufrido en sus propias carnes. En ese sentido, Siempre Alice nos habla de lo duro que es enfrentarse a semejante enfermedad y cómo lo viven el resto de sus familiares (aunque en este caso el protagonismo se centra en la que lo padece). Y después de visionar el film, desde luego, muy correcto, he de decir que plasma perfectamente ese sentimiento de impotencia ante una enfermedad que no tiene cura y que, psicológicamente, es muy dolorosa.

La sinopsis oficial dice así: Alice Howland (Julianne Moore), felizmente casada y madre de tres hijos adultos, es una conocida lingüista que empieza a olvidar algunas palabras. El devastador diagnóstico de alzheimer de inicio precoz pone a prueba las relaciones familiares. Su lucha por seguir conectada a la persona que fue es desgarradora, conmovedora y estimulante.

Un aviso, especialmente a aquellos que han padecido la situación en sus carnes: llevaros kleenex. Lo digo, por que el film retrata muy bien esta enfermedad con situaciones dramáticas que, cualquiera que lo haya sufrido, se verá reconocido en la pantalla. Y sobre este tema quería hablar yo, y no precisamente como algo positivo: hay instantes en Siempre Alice que busca tan desesperadamente la lágrima fácil que resulta demasiado manipulador, con unas intenciones que, aunque agradecidas, resultan demasiado evidentes (hablo del la escena de la convención, cuyo excelente discurso se va por agua de borrajas ante una puesta en escena que usa una evidente música dramática y muestra a todos los presentes con lágrimas en los ojos...en resumidas cuentas, el director te dice que tienes que llorar si o si).Con esto quiero decir que no hacía falta exaltar el drama de la cinta para sacar las lágrimas del espectador de forma evidente, pues el tema tratado ya es lo suficientemente dramático de por sí como para hacerlo aún mas obvio.

Pero es en los detalles donde esta película acierta…detalles que se deben, principalmente, a la interpretación de Julianne Moore, que, como siempre, está esplendida. El proceso de cambio que sufre el personaje está muy bien tratado por sus creadores, y lo cierto es que vemos cada fase del proceso que sufre la protagonista. Es cierto que el film peca de elipsis en el tiempo demasiado bruscas y poco claras, pero nunca nos aleja de Alice, que es lo principal, y lo cierto, es que es tan creíble su progresiva pérdida que conmueve presenciarlo. Especialmente unos 20 minutos finales donde el film pone la mano sobre la mesa y nos muestra, tal cual, como se sufre esta enfermedad en su fase plena (la escena final resulta desgarradora por una interpretación de su actriz inmensa…).En ese sentido, Julianne Moore consigue ser el personaje y su transformación la plasma tan bien que solo caben alabanzas a su trabajo (los balbuceos, esa mirada perdida...).

Está claro que Siempre Alice es un film para el lucimiento de su intérprete principal (es mas, ella es el pilar fundamental de la película), pero el resto del reparto tampoco desmerece: Alec Baldwin cumple correctamente en la piel de marido que debe sufrir en sus propias carnes la enfermedad de su esposa (aunque su personaje quede desaprovechado); Kate Bosworth está estupenda en su rol de hija mayor (y cuyo tratamiento en el guión me pareció de lo mas interesante); y Kristen Stewart, lo cierto, es que sorprende para bien, y aunque carezca de la intensidad necesaria que siempre se le echa en cara a la actriz (con razón), cumple muy bien y consigue que su personaje resulta creíble (atención a su cara cuando Alice la felicita por su trbajo como actriz…).El entorno familiar , de clase media, aunque es cierto que se pudo aprovechar de forma mas intensa, conmueve a base de sencillez y credibilidad.

Es cierto que si a algo se le puede achacar al film es de que no se diferencia del típico drama de sobremesa que transmiten los fines de semana, debido a una puesta en escena, que aunque intenta darle un toque personal (la cámara desenfocando objetos y personas o la sequedad de sus últimos minutos), resulta de lo mas funcional. También debido a su forma evidente de buscar la lágrima fácil a través de una música sensiblera de Ilan Eskheri, que aun con todo, funciona…y seguramente el público que no haya sentido ningún tipo de conexión con esta enfermedad, los sentimientos que transmite el film no les llegará de la misma manera que a otros, aunque afortunadamente, conocerán el sufrimiento de las personas que lo padecen, al igual que sus familiares.

Familiares y pacientes a los que ésta película, desde luego, conoce muy bien. Siempre Alice nos recuerda que, a pesar de las adversidades de la vida, siempre tenemos el amor de alguien: un marido, un padre, una madre, un hijo…Un amor que no conoce de enfermedades y que es lo único que nos sustenta el alma. Puede que ésta película será una mas para muchos de ustedes, pero para los que hemos sufrido esta enfermedad de cerca, llega a calar hondo al transmitir la sensación de que no estamos solos, que hay alguien que nos comprende, que nos entiende…y todo a través del cine. Gracias por este regalo.

Crítica dedicada a mi abuela, que falleció a finales de año a causa de esta enfermedad, y a todos aquellos que lo han sufrido de cerca o lo han padecido.

GENERALIZANDO: creíble retrato de Alzheimer

Puntuación: 6,5

P.D.: crítica escrita para Factoría del cine por un servidor

The Babadook

The Babadook se ha convertido por meritos propios, en el “sleeper” mas importante del año.Y no precisamente por su éxito de taquilla (aunque es algo que aun está por verse cuando tenga mas promoción), sino por su unánime recepción crítica en un género tan desprestigiado como el terror. Su paseo por diversos festivales consiguieron que el boca oreja funcionara de maravilla, y lo cierto, es que antes de su paso por el Festival de Sitges, ya le presté atención a una producción que, primero, era una ópera prima (de Jennifer Kent…cómo se agradece ver a mujeres bajo el mando de la dirección en un género como éste) con un presupuesto ínfimo, y que todo el mundo que la había visto la calificaba como una de las mejores películas de terror de los últimos años. Algo que se corroboró en el Festival de Sitges, cuya recepción fue fantástica, y por la que obtuvo el Gran Premio del Jurado y el de Mejor Actriz. Miedo me daba el hecho de que las distribuidoras no prestaran atención a una película que era la comidilla de muchos fanáticos del género de terror (y que está obteniendo el premio a mejor ópera prima en varios certámenes serios)…pero he aquí, que por el bien del sentido común, llega a nuestras pantallas The Babadook. Dos cosas: estamos de enhorabuena por el hecho de que se estrene esta película en nuestro país, y segunda…las opiniones no iban desencaminadas, pues será, con toda probabilidad, la mejor película de terror del año.

La sinopsis oficial dice así: Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia (Essie Davis) continúa perdida intentando educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos.Cuando un inquietante libro de cuentos llamado “The Babadook” aparece en su casa, Samuel se muestra convencido de que el Babadook es la criatura sobre la que ha estado soñando. Cuando sus alucinaciones entran en una espiral fuera de control, se vuelve impredecible y violento. Amelia, muy asustada por el comportamiento de su hijo, se ve forzada a medicarle. Pero cuando comienza a vislumbrar una presencia siniestra a su alrededor, Amelia poco a poco se da cuenta de que aquello sobre lo que Samuel la ha estado advirtiendo puede ser real…

Hay que tener en cuenta una cosa: The Babadook no pone las cosas fáciles al espectador. Es un aviso para aquellos que se piensen que esta película es una continua sucesión de sustos o escenas de tensión...no lo es. Primordialmente, esta ópera prima se centra en el drama, y es a partir de ahí donde su directora y guionista Jennifer Kent, recurre inteligentemente al terror…un terror psicológico y físico que huye de efectismos fáciles, adoptando la postura del minimalismo (cuanto menos se enseñe…mejor).Y acierta de pleno gracias a un guión que juega con el espectador de forma maravillosa , desarrollando la historia de la forma mas angustiosa posible…por que la sensación final que deja  The Babadook es la de haber asistido ante un drama angustioso que deja mal cuerpo por el tema que plantea y que es mucho mas terrorífico de lo que parece a simple vista. Desde luego, el debate una vez finalizado el film, está garantizado…

Y mas merito si cabe cuando el guión y la dirección se encuentran en la misma persona realizando su primer trabajo tras las cámaras con resultados harto notables, pues su directora, Jennifer Kent, se arriesga tratando temas polémicos sin que salga en ningún momento mal parada o se le vaya el relato de las manos. Sobre todo por lo bien que diferencia los dos puntos de vista que intenta tratar el film, sin que en ningún momento lo recalque de forma evidente. El trabajo de fotografía (que, como he dicho antes, destaca por utilizar los mínimos elementos posibles) y la banda sonora ( atención a esa nana perturbadora para el tema de The Babadook) hacen el resto para una película que, desde luego, consigue generar mal cuerpo por los temas que plantea y cómo los plantea. Y no os preocupéis…posee alguna escena de tensión muy bien construida que hará que te retuerzas en el asiento (y su última media hora te tiene ganado por completo)…

Pero el pilar fundamental por el que se sostiene esta cinta es el trabajo de su actriz principal, Essie Davis, actriz que hemos visto como secundaria en varios films (La joven de la perla) y que aquí toma el control absoluto del relato. El “tour de force” que se marca la intérprete es IMPRESIONANTE, pues gracias a un personaje que sobre el papel es de lo mas jugoso, la actriz lo eleva hasta un nivel increíble, repleto de matices y con una carga dramática que su protagonista sabe llevar de la mejor manera posible. El esfuerzo físico y psicológico de su última media hora es digno de mención, pues cuando el relato pone las cartas sobre la mesa…la actriz hace lo mismo y se explaya ante una interpretación espectacular (su premio en Sitges a Mejor Actriz se queda corto). No menos destacable resulta la interpretación del pequeño Noah Wiseman, pues resulta impecable, y en la primera media hora…os garantizo que es de los niños mas odiosos que vas a ver en una pantalla de cine (realizado con ese propósito, está claro).

The Babadook se ha convertido por meritos propios en uno de los films mas comentados del año, por el simple hecho de hacer un cine de terror serio y adulto fuera de efectismos y que trate algo tan real de forma que parezca incluso fantástico. Una cinta muy recomendable, que, desde luego, entrará a formar parte de lo mas destacado del año 2015…y eso que acabamos de empezar el año. La cita ineludible de esta semana tiene nombre y se llama The Babadook…sin duda, la mejor película de terror del año..

GENERALIZANDO: la mejor película de terror del año

Puntuación: 8,5

P,D.: crítica escrita para Factoria del cine, por un servidor

Simbad y la princesa

Argumento:Simbad emprende un peligroso viaje lleno de aventuras hacia la misteriosa isla del Coloso con la intención de romper el maleficio lanzado por un diabólico mago contra la princesa de la que está enamorado. Para salvarla, deberá luchar contra innumerables monstruos míticos como el Cíclope devorador de hombres, un esqueleto que maneja un sable, un feroz pájaro bicéfalo llamado el Roc y un dragón que lanza llamaradas de fuego por la boca

Lo mejor : como pasó con la anterior entrega de Simbad, su entrega total al cine de aventuras mas desprejuiciado...resulta un entretenimiento inocente y sano que solo busca distraer al espectador ¿ lo consigue ?Sin duda, si ; como siempre...las criaturas creadas por Ray Harryousen que cobran vida y personalidad a todas las escenas en que estos aparecen...incluso da la sensación de que actuan mejor que los actores reales ; la música de Bernard Herrmann, un maestro de las bandas sonoras, que aquí se muestra mas aventurero que nunca ; los paisajes que pueblan el film ; y un diseño de producción que consigue, gracias a lo sencillo, momentos de pura magia ( como la princesa metiéndose en la lampara del genio ).

Lo peor : unos actores al que les falta algo mas de garra, sobre todo por que se toman demasiado en serio a sus personajes ; y que puede que para algunos haya envejevido mal..hay que verlo desde la perspectiva de la época, donde miles de jovencitos soñaban con vivir enormes aventuras como la aquí presente...no pretende hacer otra cosa.

La escena : el enfrentamiento entre el cíclope y el ave gigante
Pregunta : ¿ por que Harryhousen solo hubo uno ?

Resumiendo, Simbad y la princesa no engaña en absoluto: da lo ue te esperas. Aventuras a parajes desconocidos con criaturas fascinantes, en la que solo busca un entretenimiento sano, divertido e inocente que en aquella época, era el pan de cada día.Cierto es que en los tiempos de ahora, esto no se lleva, pero de vez en cuando no esta mal mirar atrás de vez en cuando para ver que el cine nos ha regalado cine de aventuras para toda la familia.

GENERALIZANDO: aventuras clásica
Puntuación: 7

P.D.: estrenada en 1958

El Valle de Gwangi

Argumento:T.J. es un empresario que quiere engrandecer su espectáculo circense con un show único en el mundo: la presentación de un caballo de solo 20 cm. de altura. El prof. Bromley, estudioso de la prehistoria parte junto con un aventurero hacia la cueva en donde se supone que habita el ejemplar. Todo marcha bien hasta que hallan un formidable dinosaurio

Lo mejor : su alocada y original premisa...desde luego, no hemos visto muchas veces en el cine una mezcla del western con el jurásico, y aquí lo tenemos en bandeja de plata (desde luego, nunca se ha visto nada parecido ) ; por supuesto, las creaciones de Ray Harryhousen...los dinosaurios (y animales)cobran vida por si solas, y además sorprende como resuelve algunas escenas complejas con efectos practicos de forma estupenda ( el numero del circo con el caballo ) ; la banda sonora de Jerome Moross, que mezcla el western con una composición de aventuras muy clásica...la mezcla es extraña pero funciona ; y que mejora según avanza el film, con escenas que parecen un homanejae a King Kong ( especialmente en el climax final ), y que aprovecha la situaiones que tiene entre mano de forma estupenda( el enfrentamiento entre un Tiranosaurio y un elefante en medio de una plaza de toros ).

Lo peor : tarda bastante en comenzar, presentando a sus personajes sin que nos importe mucho verdaderamente ; el dibujo que hace de los personajes resulta confuso, pues nos muestran a unos protagonistas caraduras del que apenas podemos simpatizar ( atención al personaje femenino ), a lo que tampoco ayuda unos actores que no se creen sus diálogos para nada ; y bueno, no comentaré las preguntas sin respuesta que brinda el guión, como el hecho de que los dinosaurios no atraviesen esa colina ( sobre todo cuando tiene pterodáctilos ).

La escena : sin duda, el climax final en la catedral....de Cuenca. Un WTF en toda regla y una escena bizarra como ella sola
Pregunta : ¿ sabeis que se rodó en Cuencia intentando emular una ciudad de Mexico ? Lo cierto es que es curioso ver a un Tiranousairio Rex deambulando por las calles de Cuenca y su catedral.

Resumiendo, El valle de Gwangi es una rareza bastante divertida que consigue mejorar a medida que avanza gracias a su alocada propuesta que es llevada al limite. A mi me encadiló cuando vi que un dinasuario camina por las calles de Cuenca incluso metiendose en su catedral...idea alocada e irrepetible en el cine. Solo por esas escenas, creo que este alocado film se merece una oportunidad, pues ofrece una aventura distinta y bizarra que que funciona por lo simpática que es.

GENERALIZANDO: alocada premisa
Puntuación: 6,5

P.D.: estrenada en 1969