Argumento: Tras una serie de trágicas experiencias personales, Cheryl Strayed (Reese Whitpersoon) recorre en solitario más de mil kilómetros a través del desierto de Mojave en un intento de encontrarse a sí misma.
Lo mejor : Reese Withpersoon...creo que se trata de la interpretación mas sincera de toda su carrera, y se mete en el papel de tal forma que no vemos a la actriz en ni un solo instante (además, es de aquellas que parece que ponen "for your consideration", sino todo lo contrario, lo cual, tiene mas merito)...se compromete al cine por cien con el film, y ella consigue levantarla a sus espaldas ; lo hipnótico que resulta el relato...puede que sea por la forma en la que tiene el director de mostrarnos el viaje, pero desde luego, no podía apartar la vista de la pantalla ; un montaje que consigue que sus flashbacks no sean un "mas de lo mismo"...consigue un toque casi Lynchiano que se agradece muchísimo y siempre mantiene el tono y la solidez del mismo en su ritmo narrativo (de lo mas apacible y tranquilo) ; una magnífica fotografía, que aprovecha los paisajes naturales al máximo sin sobresaturar la imagen (desde luego, el recorrido abarca todo tipo de espacios) ; la estupenda selección musical, bastante curiosa para darle cierta personalidad a la cinta ; y que todos los que hemos vivido un viaje similar (yo incluido) se verán reflejados en su personaje central, y lo cierto, es que consigue que nos creamos sus viajes e incluso los pensamientos que rondan por su cabeza...en ese sentido, todo depende del espectador.
Lo peor : creo que el drama familiar que expone, me resulta bastante exagerado, pues al personaje de Cheryl le ocurren todo tipo de desgracias que nos van desvelando poco a poco...por momentos, a mi me sacó por tal acumulación; debido a los breves flashbacks,es dificil meterse en el drama que vive el personaje...por que apenas le da tiempo a desarrollarla ; se echan en falta mas minutos en pantalla para Laura Dern...su interpretación nos sabe a poco ; y que es un film en la que no es fácil conectar...eso si, a todos los que hemos pasado por un viaje de similares características, sabrán que la película, refleja muy bien el sentimiento que se vive en esas circunstancias.
La escena: el inicio
Pregunta : ¿ por que se comenta que es un film sobre la discriminación de la mujer, cuando es un tema que, si, la película toca, pero no pretende profundizar en ello por que la película nos habla de otras cosas, en mi opinión, mucho mas interesantes ?
Resumiendo, Alma Salvaje es un film algo especial y atípico. Nos habla de un viaje emocional, de alcanzar nuestro propio yo atravesando la naturaleza...y para gente que ha vivido una experiencia similar, esta película transmite muy bien esa sensación de un viaje que nos reconcilia a nosotros mismos, que nos hace mas fuertes y mas abiertos a la vida. Su historia en cierta manera, me pareció algo secundario y aunque narrada de forma agradecidamente original (alejada de los tópicos), fué el viaje lo que verdaderamente me cautivó de este film, cuya actriz principal brinda uno de sus mejores trabajos y mas honestos y sinceros de toda su carrera.Solo por eso, le doy una recomendación.
GENERALIZANDO: para los que nos hemos buscado a nosotros mismos a través de un viaje.
Puntuación: 7
Argumento:Musical sobre una huérfana que conoce a un rico financiero (Jamie Foxx). Este encuentro cambiará para siempre sus vidas. Remake del musical "Annie", adaptado a la época moderna y con música de Jay-Z.
Lo mejor : Quvenzane Wallis, y no por su interpretación (lo cierto es que no se esfuerza mucho) sino por el carisma y simpatia que desprende la pequeña y que consigue no resultar irritante como lo podía haber sido (vamos...que cae bien) ; Bobby Carnavale, el único que parece controlar la comedia en esta cinta (aquí ejerciendo de villano) ; algún que otro momento musical inspirado (como el inicio) ; y algún que otro apunte cómico medianamente acertado
Lo peor : es irritante, ya que la mayor parte del film se basa en mostrarnos los lujos y los caprichos en los que se ve envuelto la pequeña...con una moraleja final bastante dudosa sobre las ventajas de ser rico que, desde luego, da mucho que pensar sobre los tiempo de ahora y la juventud que nos espera (que Dios nos coja confesados); se hace extremadamente larga pues sus 118 minutos se antojan excesivos para lo poco que tiene que contar ; unos números musicales rodados con la mayor desgana posible (solo el número protagonizado por Cameron Diaz se salva un poco de la quema); un guión de juzgado de guardia, con unos diálogos que, mejor ni comento (el paseo en helicoptero...con eso digo todo)...y no me vale decir que es una cinta infantil por que lo de esta película no tiene nombre ; Jamie Foxx...insoportable (su número del helicoptero...me dió incluso verguenza ajena), al igual que una Cameron Diaz que se cree graciosa (y no lo es); las canciones...enlatadas a mas no poder, y sin un atisbo de interés como musical...es que no engancha ni una sola ; y que como musical y película infantil se hace aburrida de narices.
La escena: los protagonistas asistiendo a la premiere de una película que se asemeja a Crepúsculo. La escena mas divertida de la película, con una mala leche que se agradece mucho y con unos cameos desternillantes.
Pregunta : ¿ hacia falta este remake? Desde luego...no
Resumiendo, es cierto que no he visto el original de Annie, pero este remake me ha parecido tan mediocre que no se si aventurarme a ver el original y sufrir tanto como sufrí viendo esta película. No llega a niveles de tortura, pero lo cierto es que mi interés por ella se fue desvaneciendo a medida que avanzaba hasta llegar a un punto en el que deseaba que la misma terminara...asi que imaginense...
Nightcrawler supone el debut tras las cámaras del guionista
Dan Gilroy ( fue el encargado de los libretos de la película de culto Freejack,
la correctita Acero Puro y la maravillosa The Fall). Digo esto, por que viendo
sus precedentes no podía esperarme el retrato tan incisivo que desprende su
libreto y la dirección de su ópera prima, mas arriesgada de lo que parecía…pero
sobre todo se ha venido hablando largo y tendido la interpretación de Jake
Gyllenhall en este film, uno de esos actores que durante estos últimos años ha
decidido por apostar en proyectos muy interesantes consiguiendo que se
convierta en uno de los mejores actores (por no decir, el mejor) de su
generación gracias a una versatilidad en cada proyecto que le están haciendo crecer
su talento a pasos agigantados (creo firmemente que su punto de inflexión fue a
raíz del fracaso de Prince of Persia…pero eso es otra historia). Y en
Nightcrawler, desde luego, ofrece una de sus actuaciones mas impactantes y de
la que, injustamente, no se ha visto recompensado con una nominación al Oscar,
cuando queda palpable el sacrificio del actor ante semejante personaje. Pero
vayamos al asunto ¿ Nightcrawler merece la pena mas allá de su interpretación?
Tanto, que entrará en mi ranking como lo mejor que podremos ver en 2015.
Louis Bloom (Jake Gyllenhaal) es un joven sin empleo ni
escrúpulos que decide adentrarse en el mundo del periodismo sensacionalista
tras ser testigo de un brutal accidente.
Con esta premisa es mas que suficiente para describir esta
historia, pues, de forma muy resumida, describe perfectamente lo que es el
film…y este no te engaña lo mas mínimo. Su historia la exprime hasta sus
últimas consecuencias, y la sensación que queda al finalizar la proyección, es
que el espectador se ha visto recompensado ante un relato que va directo a la
yugular, sin compasión, sin florituras. Un retrato descarnado de una sociedad
que se mueve por pura desesperación y egoísmo, siendo claro y conciso en su
discurso. Y funciona maravillosamente bien por que nos pone como absoluto
protagonista a un hombre sin compasión, sin alma y del que el mismo se describe
como alguien que no gusta a las personas…me recordó en cierta medida al
personaje de Gordon Gekko en Wall Street, pero dejando que esta vez, sea este
el protagonista y no el secundario (como ocurría con el film de Oliver Stone).
Aptitudes similares para un mismo fin sean cuales sean las consecuencias…y
funciona increíblemente bien. El guión, cargado de un humor negro muy
agradecido, transmite una sensación de desesperación y asfixia, que se describe
perfectamente en los dos personajes que rodean al protagonista…su jefa Nina
(Renne Russo) y su “becario” Rick (Riz Ahmed), los polos opuestos de una
sociedad inmersa en plena crisis, y que con solo estos dos, consigue hacer una
descripción de cómo funciona un sistema depredador, como si fuera Louis un
titiritero que mueve a sus muñecos a su antojo.
Pero la dirección de Dan Gilroy no se queda atrás…para
tratarse de una ópera prima, desde luego su director maneja los resortes del
cine con una profesionalidad mucho mas elevada que otros que llevan en el
gremio años y años. El pulso narrativo de sus diálogos es fantástico (atención
a la cena en un mexicano entre Nina y Louis...una de las relaciones mas enfermizas
que he visto en pantalla desde hace tiempo), la tensión que maneja es precisa y
manejada con mano maestra (Louis metiéndose en una casa al escuchar disparos),
y las escenas de acción resultan fantásticas gracias a un montaje esplendido
que permite que nos enteremos de todo y con un sentido del ritmo plausible (el
maravilloso clímax). Pero en lo que mas destaca Gilroy es a la hora de trabajar
su atmosfera…enfermiza, asfixiante y muy, pero que muy perturbadora…creo que se
trata del film mas perturbador que se estrenará este año debido al tono
alienado que adopta de su protagonista y del ambiente que le rodea, pues asusta
por lo creíble que puede resultar esta visión sin escrúpulos de la sociedad y
,en especial, de la ciudad de Los Angeles (desde luego, la imagen de la ciudad,
no sale muy bien parada).Cierto es que agarra de excesos (Louis conduciendo a
toda velocidad por la ciudad sin ningún tipo de retención), pero no desentona
debido a cómo nos presenta a la ciudad y a su gente…una ciudad sin ley en su máxima
expresión. Resumidamente…la dirección de Dan Gilroy es de una solidez increíble
para tratarse de una ópera prima.
Y luego esta Jake Gyllenhal…su interpretación en esta
película es increíble por que, a cambio del carisma que ofrecía Gordon
Gekko…este personaje carece de él. Su personaje cae mal al resto de la
humanidad y el actor consigue esa sensación alienada de su personaje a la
perfección, tanto en su tratamiento físico (el actor adelgazó muchísimo para
este papel) como psicológico (maravilloso momento cuando entra por primera vez
a los estudios de TV junto a Nina).Desde el minuto uno, Gyllenhall ofrece un
recital imprevisible (nunca sabemos cómo reaccionará), que le permite
explayarse a gusto (desde luego, el actor se lo tuvo que pasar en grande) y que
se mete en un personaje difícil como si fuera una lapa…no se despega de el ni
un solo instante. Un personaje perdurable al igual que su interpretación, que,
inmerecidamente, no se ha visto recompensado en los premios de la Academia.
Tampoco me gustaría olvidar a una genialmente recuperada Rene Russo (que
mantiene unas escenas con Gyllenhall sencillamente, explosivas) , un Riz Ahmed
fantástico (qué bien perfila a su personaje…y su tratamiento en el guión es
impecable) y un estupendo Bill Paxton (cuyo papel es la competencia de nuestro
protagonista).
Y si todo esto fuera poco, el film cuenta con una fotografía
que retrata la ciudad de Los Angeles como si fuera un purgatorio, donde viven
almas desesperadas por sobrevivir (siendo nocturna en la mayor parte de su
recorrido), un montaje esplendido que permite que el ritmo no nos despegue ni
por un solo instante de la pantalla (no sufre ningún altibajo grave) y sobre
todo una banda sonora de James Newton Howard que ha sabido captar la visión
enfermiza y perturbadora de su director a la película, metiéndose la música en
la piel de su protagonista Louis, y transmitiendo los momentos emocionales de
este, creando un contraste con lo que vemos brutal, transmitiendo esa sensación
perversa y malsana que sus creadores quieren transmitir (atención al momento
cuando Louis se deleita con el plano ante un seguro cadáver y la música nos
transmite su sensación de triunfo…un momento enfermizo).
Nightcrawler es así una de las cintas imprescindibles de
2015. No es una obra maestra ni mucho menos, pero meditándola, creo firmemente
que cumple con todos los objetivos que se propone, que no son pocos. Y a día de
hoy, una película que ofrezca solidez, rotundidad y eficacia en su discurso se
merece mi atención y mi admiración, en unos tiempos de corrección de los que,
Nightcrawler, huye. Un retrato despiadado del periodismo, de la sociedad, de la
crisis, de Los Angeles….un film imprescindible.
“Cumplir con las expectativas se esta convirtiendo en misión
imposible y caer en el desánimo es ciertamente fácil hoy en día. ¿Pero, por qué
no darle la vuelta a este planteamiento? ¿Por qué no desterrar esa expresión que
dice que los trenes pasan una vez en la vida?. De esta premisa surgió Las
ovejas no pierden el tren, una película nacida de un momento de auténtico
colapso social. Sin ser una historia autobiográfica, me siento identificado con
muchas de las situaciones de la película, y de casi todos los personajes tengo
un referente “de carne y hueso” en el que me he inspirado. En ese sentido, esta
es una comedia esencialmente contemporánea, ya que el concepto en el que se
mueven los personajes es el que no está tocando vivir. Pero no pretendo hacer
ningún retrato social del momento, sino mas bien un relato intimista y
divertido de cómo sobreponerse al día a día. Es una comedia de personajes: de
ellos parte todo, y ellos son el auténtico motor de la historia…” así nos describe
su director Álvaro Fernandez Amrero en las (estupendas) notas de producción de
la película como ha trabajo su película, Las ovejas no pierden el tren…y en
cierta parte, la película lo expresa bastante bien, aunque es una lástima que
se quede en meramente correcto un relato que podía haber dado mas juego.
Después de 6 años de casados, Luisa (Inma Cuesta) y Alberto
(Raúl Arevalo) se han visto abocados a irse a vivir al campo, pero la idílica
vida rural enseguida empezará a mostrar su cara menos amable. Mientras Luisa
baja a Madrid a diario, Alberto lidia como puede con su crisis personal y
laboral mientras se encarga del cuidado de su único hijo, Lucas, y trata de
evitar a Manolo, un pastor que parece ser el único habitante del pueblo
fantasma al que han recalado. A pesar de que la pareja no atraviesa sus mejores
momentos, Luisa esta obsesionada con tener su segundo hijo, aunque el precio
sea el sexo mas apático imaginable. Quien ni se plantea pisar el campo es Juan
(Alberto San Juan), el hermano de Alberto, quien desde que se divorció no
quiere enfrentarse a ningún drama. Con 45 años y periodista en horas bajas,
sale con Natalia (Irene Escolar), una joven entusiasta de 25 años en la que ve
una tabla de salvación, aunque no haya previsto las locuras propias de su edad.
Por su parte la hermana de Luisa, Sara (Candela Peña), está acostumbrada a
canalizar su ansiedad a través de los hombres, con quienes no acaba de encajar,
hasta que aparece Paco (Jorge Bosch), un periodista deportivo que parece
incluso dispuesto a llevarla al altar. O eso cree ella…
Las ovejas no pierden el tren es una película amable. Con
esto quiero decir que el film, lejos de arriesgar, se propone hacer pasar un
rato ameno y entretenido al espectador, y en ese sentido, su objetivo está
cumplido. Lejos de ser pretenciosa (aunque en algún que otro momento quiera
entrar por ese terreno) el film apuesta por una sencillez que la beneficia
bastante gracias a la simpatía de sus personajes, pilar fundamental del film y
que están descritos y desarrollados en su guión de forma estupenda. Las
intenciones de los personajes y sus respetivas (y peculiares) personalidades
quedan reflejadas desde el primer minuto y sabe desarrollarlos con buen hacer
hasta su ejecución, algo nada fácil en el género de la comedia. Puede que
resulte previsible (intuimos el destino de cada personaje), pero no molesta por
lo cuidados y bien desarrollados que están. En ese sentido, se agradece mucho
contar con unos personajes que se meten al público de calle…
El problema que le veo es que nunca termina de despegar…los
dos géneros que pretende unir (comedia y drama social) se quedan estancados sin
llegar al límite de sus posibilidades, y eso concluye con una sensación de
intrascendencia bastante alarmante. Lo que consiguen sus personajes (como dije,
bien trabajados), no lo consiguen las situaciones a los que se ven abocados, en
mi opinión, poco aprovechadas (quizá debido al intentar unir todas las
historias como puede). Tan poco aprovechadas en ese sentido, que deja incluso
historias sin responder (como lo que respecta al padre de Alberto y Juan…hay un instante que plantea una situación y ni la
propia película se digna en explicar como se resuelve). El público, al
finalizar la proyección, se quedará con un regusto amable, si, pero también con
otra bien distinta de que ni se ha reído tanto ni se ha conmovido como el film
pretendía…y es una lástima, porque había posibilidades, y con tal de ir
sobreseguro se queda en un punto intermedio sin que sobresalga en casi ninguno
de sus aspectos, debido también a una puesta en escena de lo mas funcional
(aunque no es algo muy achacable en este caso).
Aunque si por algo destaca Las ovejas no pierden el tres es
por un estupendo reparto donde todos realizan un excelente trabajo : Raúl
Arevalo maneja este tipo de personajes a la perfección, y aquí no iba a ser
menos (atención a las escenas en las que discute con su mujer) ;Inma Cuesta
está EXCELENTE y resulta creíble en todas y cada una de las escenas que
protagoniza (esta mujer, devora la pantalla);
Alberto San Juan está estupendo en un rol que le viene como anillo al dedo
(aunque su personaje se pudo jugar mas dramáticamente…pero aún así, bien
perfilado); Candela Peña disfruta con su papel, aunque por momentos parece
forzar la comedia sin conseguirlo debido a eso mismo (aunque sus momentos
dramáticos funcionan mucho mejor, desde luego…será que el drama se le da de
perlas a esta actriz); Jorge Bosch está la mar de correcto (atención a la
escena de la comida familiar); Irene Escolar está maravillosa con un papel para
nada fácil (y que consigue una naturalidad encantadora…su presentación con el
BlaBlaCar es impagable); y lo agradecido que es tener en pantalla a Kiti Mánver
(siempre es un placer ver a esta actriz en pantalla). Todos los actores dan la
talla y se les nota cómodos con sus respectivos personajes.
Así, Las ovejas no pierden el tren es una película de fácil
digestión y de fácil olvido, pero durante su visionado entretiene con una
facilidad pasmosa, lo cual, hace que el balance se incline mas por lo positivo.
Gracias a unos personajes y a unos actores entregados, consiguen la simpatía de
los espectadores que, seguramente esperarían mas carcajadas, pero que
lamentablemente, da para una modesta sonrisa. A pesar de ello, no es una mala
elección si os decantáis por ir a verla, ya que su resultado, es de lo mas
agradable.
GENERALIZANDO: vistosilla
Puntuación: 6
Crítica escrita para la página El blog de el cine español, redactada por aquí un servidor
Argumento:El musical entremezcla argumentos de distintos cuentos de los Hermanos Grimm (Cenicienta, Caperucita Roja, Rapunzel) intentando analizar las consecuencias de los actos y deseos de sus protagonistas.
Lo mejor : la ligereza de su primera hora y cuarto, que permite que el espectador disfrute ante un cuento encantador, entrañable, divertido y muy entretenido en la que su falta de pretensiones la beneficia tanto que el espectador asiste durante todo este tramo con una sonrisa de oreja a oreja...sobre todo, por que contagia el entusiasmo y la simpatía al espectador ; los actores...sin excepción, pues estan impecables, aunque hay dos destacables...: una Meryl Streep que borda todo lo que toca y que aquí no iba a ser menos, pasándoselo en grande y con una voz que nos deja con el culo torcido (su número final, "The Last Midnight" es CREMITA FINA) ; y ,sobre todo, una increílbe Emily Blunt, la roba escenas de la película, disfrutando cada escena, cada plano del film como si fuera una auténtica fiesta, contagiando su entuasiamo al espectador...lo dicho, su interpretación hechiza al público (atención a su divertidísimo y genial número "Moments in the Woods") ; la apuesta por su sencillez...sus números musicales no son un alarde de artificio visual, dejando que sea la letra y su música lo importante del momento, y aunque quizá se eche en falta cierta garra visual, funciona por lo sencillo y por lo teatral que resulta todo; su estupendo (y mágico) diseño de producción...sus 50 millones aparentan mas, a pesar de lo sencillo de su propuesta visual; por supuesto...la música de Sondheim y sus canciones (atención al maravilloso It Takes Two)...algo inevitable y lógico ; su visión de los cuentos...desde luego, su segunda parte contiene las partes mas interesantes de la historia, tergiversando los cuentos y transmitiendo perfectamente lo que su propio cartel propone..."cuidado con lo que deseas" ; y los huevos de Disney de producir un film que de infantil...tiene bien poco.
Lo peor: sus últimos 45 minutos...y es extraño cuando en su guión posee las ideas mas interesantes de la propuesta, pero es que por desgracia, no funciona...y no lo hace por varias razones...el ritmo de la película se resiente debido al error de que parece que no estén contando otra película estirando mas el chicle (algo que podrá funcionar en los intermedios teatrales...aquí no por lo abrupto que es), por un cambio tonal tan bestia que descoloca al espectador ante una parte final trágica y desesperanzadora que no tiene nada que ver con el tono ligero de su primera parte (y podría funcionar si estuviera bien hilado...pero no lo está), por su precipitación en los acontecimientos (todo ocurre demasiado deprisa y sin mucho sentido como el caso de Rapunzel...se olvidan de ella, sin mas), y sobre todo, por unas muertes que me parecieron de juzgado de guardia ante la poca importancia que se les da (bueno, para mas inri, hay una que incluso es ridícula por que da por hecho que los sabemos SPOILERS COMO UNA CASA...como el de la madre de Jack, que lo sabemos por que despues de 20 minutos nos lo dice el panadero...y el de la señora Baker podría decir lo mismo ¿ que manera de matar a una protagonista es esa? FIN DE SPOILER).
La escena: el número "Your Falt" con todos los protagonistas esquivando el bulto para despues finalizar con el número "The Last Midnight" (dos momentazos) y sus primeros 15 minutos, una presentación perfecta.
Pregunta : ¿ por que se esta promocionando tanto que sale Johnny Depp cuando lo suyo es casi un cameo ?
Resumiendo, Into the Woods es un musical arriesgado...arriesgado por quien la produce (Disney) y lo que finalmente es el producto...una ácida, oscura y trágica visión de los cuentos que contrasta con una primera mitad que es puro Disney (con algún toque malicioso, eso si).Su autor, Stephen Sondheim (no así su director Rob Marshall, que prefiere pasar desapercibido) deja imprenta en esta obra, pero donde otros han acertado de pleno en captar su esencia (ahí entra de lleno Tim Burton y su genial Sweeney Todd que era puro Sondheim), aquí se intenta, pero no desarrolla bien, pegando una saltos tonales tan bruscos que la misma pelícla hace que carzca de solidez. A pesar de ello, muy disfrutable, sin duda (sobre todo por sus actores)
Es extraño que con
todas las películas que se han rodado sobre el tema de la Segunda Guerra
Mundial, prácticamente ninguna haya tratado sobre aquellos que movieron fichas
con tal descubrir la verdad sobre Auswichtz. Lo digo, por que fue uno de los
momentos mas decisivos de la historia de Alemania, y aún no se había contado nada
sobre la historia de estos héroes que se enfrentaron a medio país sacando a
relucir las verdades que permanecían ocultas en la Alemania de la posguerra. La
conspiración del silencio es la primera de ellas que profundiza en el tema y
viene rodada desde Alemania (qué mejor que ellos para contar este relato) y ,lo
cierto, es que este film sirve como tributo a unas personas cuyo único fin es
que la verdad saliera a la luz ante un país silencioso y temeroso, que
desconocía o formaba parte de los hechos…un tema bastante delicado que, gracias
al buen hacer del director, consigue que su mensaje, sea universal.
El joven fiscal Johann Radmann encuentra unos documentos que
le permiten poner en marcha un proceso judicial contra algunos miembros de las
SS que sirvieron en Auschwitz. Pero los horrores del pasado y la hostilidad
hacia su trabajo lo llevan cerca del colapso, pues le resulta casi imposible
abrirse paso a través de un laberinto en el que todo el mundo parece estar
implicado o ser culpable.
Creo que me extenderé poco en esta crítica, primordialmente,
por que la corrección que hay en ella lo dice todo de si misma. El relato, de
dos horas, mantiene un ritmo sólido durante toda su proyección sin sufrir
altibajos, narrando la historia con efectiva solidez sin que, en ningún
momento, se les escape de las manos. En ese sentido, su dirección es estupenda
al manejar todos sus elementos con una efectividad pasmosa que hacen el relato
llevadero, como si de un thriller se tratara : podría destacar el trabajo
interpretativo (estupendo protagonista), su trabajo de ambientación
(excelente), un montaje muy adecuado, una banda sonora efectiva…todo en La
conspiración del silencio funciona con sobrada corrección y buen hacer, pero me
quedo con el rotundo mensaje que desprende y la atmosfera (casi terrorífica) de
vivir en un país repleto de asesinos sin tener un juicio justo. Su visión de la
justicia la tiene muy clara y su guión consigue que sus personajes vayan
desarrollando su propia pensamiento en torno a su rectitud.
El único problema que veo en el film es algo que he
comentado antes: su corrección. Resulta tan convencional en sus formas que aquí
un espectador, quizá, pedía mas riesgo en el relato, aunque solo fuera en su
puesta en escena. Hay infinidad de detalles en su historia que podrían dar
muchísimo juego (el papel de los verdugos y su visión), pero el film se decanta
por marchar sobreseguro, y en todo momento, el espectador sabe lo que va a
pasar (quizá un espectador no muy aficionado al cine no lo sepa, está
claro).Básicamente, el film pretende ampliar todo el margen de público que
pueda, y eso se nota en una dirección harto eficaz…pero también muy poco arriesgada
y bastante convencional, debido también a que sabemos lo que va a pasar, pero,
por ejemplo, Brian Synger consiguió con Valkyria que por un momento, pensáramos
que Hitler había muerto…y todos sabíamos de antemano que eso no ocurrió. En lo
que la película protagonizada por Tom Cruise había pasión por unos hechos que
ya conocíamos y que vivíamos como nuevos…aquí no ocurre, pese a sus buenas
intenciones.
Aun así La conspiración del silencio es buen cine. Buen cine
por el mero hecho de agitar conciencias ante un tema delicado que puede
llevarse a cualquier zona que haya pasado por algo parecido (en nuestro país es
el mejor ejemplo).Un silencio que debe romperse y no por el mero hecho de hacer
justicia…sino por que se descubra la verdad. Una verdad cruel y dolorosa para
muchos, pero necesaria para demostrar la entereza de una justicia democrática.
Monstruos en la piel de cordero escondidos durante años y que gracias a ciertas
personas, consiguieron que salieron a la luz sus verdaderas caras. Una película
que, a pesar de resultar algo convencional en lo que concierne a su desarrollo,
resulta necesaria para dar a conocer a unos valientes que elevaron la voz mas
que el resto de su país.
GENERALIZANDO: buena
Puntuación: 7
Crítica extraída de Factoría del cine, escrita por un servidor
Películas centradas en el tema del IRA hay muchas : desde La
Sombra del Diablo (aquel film de Harrison Ford y Brad Pitt del que ya casi
nadie se acuerda…ni siquiera yo, y del que hace bien poco Brad Pitt declaró que
fue el film del que mas se arrepiente haber interpretado),Cinco minutos de
gloria (interesante film protagonizado por un gran Liam Neeson),Juego de
Patriotas, Desayuno en Plutón (aunque en este film el tema er algo secundario),
El viento que agita la cebada (estupendo film de Loach), The Boxer
(película…que olvidé profundamente), Juego de Lágrimas (magnífico film de Neil
Jordan), En el nombre del padre (la película mas famosa sobre el IRA y todo un
clásico) hasta la que me parece la mejor película que trata este tema, Michael
Collins (otra maravilla de Neil Jordan).Me gustaría poner Bloody Sunday de Paul
Greengrass pero lamentablemente no la he visto, así que no puedo opinar, pero
todos lo que la han visto están de acuerdo en que el film ’71, que llega a
nuestras pantallas, bebe mucho de aquella película...y aunque dicho film lo
tenga pendiente, en lo que si estoy de acuerdo, es que el film que aquí nos
ocupa toma prestado el nervio narrativo del director de United 93.
Un joven soldado británico (Jack O’Connell) es abandonado
accidentalmente por su unidad durante unos disturbios en las calles de Belfast
en 1971.Incapaz de distinguir entre amigos y enemigos, y cada vez mas
desconfiado de sus propios compañeros, el inexperto recluta deberá intentar
sobrevivir toda la noche solo y encontrar su camino de vuelta a través de un
paisaje desconcertante, extraño y mortal.
La gran ventaja que posee ’71 reside ya en su propia
premisa: la película es una persecución continua por las calles de Belfast
donde apenas hay un momento de descanso para nuestro protagonista…y todo ocurre
en un día. Lo que conlleva a un ritmo, no vertiginoso, pero si que mantiene al
espectador en continua tensión por ver como se las apañara el soldado para
salir del entuerto en el que se anda metido. En ese sentido, el pulso narrativo
de su director (que aquí debuta en el largometraje…le tendremos en cuenta para
futuros proyectos) es loable y vigoroso, ya que la película está en continuo
movimiento construyendo la misma a base de “set pieces” de tensión muy logradas
y con mucho nervio. Nos hace testigos de unas calles donde el peligro acecha en
cada esquina, y esa sensación está realmente lograda por el cineasta (el primer
ataque es puro nervio con una tensión muy bien llevada), que toma prestado el
estilo del director Paul Greengrass con una cámara en continuo movimiento, de
forma que lo que vemos está ejecutado con la mayor sequedad posible (atención a
la magnífica escena de la bomba).
Pero también conlleva a un problema que, es lógico
tratándose de una ópera prima: a veces sobresatura tanto la tensión que llega
incluso a cansar. Muchos diréis que en el cine de Paul Greengrass también
ocurre, pero a diferencia de aquí, consigue un crescendo de tensión muy bien
dosificado que hace que incluso se te salga el corazón por la boca. Aquí lo
intenta añadiendo mas problemas al protagonista, pero nunca sentimos que haya
un crescendo emocional intenso cuando el relato lo pedía a gritos. Esto se
debe, como he dicho, a que alarga de forma innecesaria, escenas de tensión que
se tornan algo pesadas por su incesante estructura de persecución, y también
por que el film quiere atacar por varios frentes (no solo el IRA tiene parte de
culpa en todo esto…) sin que se profundice demasiado en ello. Se agradece su
sequedad narrativa (en cuanto a lo emocional, especialmente), pero también se
echa en falta mas profundidad, quedándose meramente en la superficie, y que su
tensión la vivamos con uña y carne y no a base de sobresaturación.
Pero a pesar de todo, para tratarse de una ópera prima,
resulta meritoria su ejecución. Sobre todo por que maneja bastante bien los
resortes del montaje (aunque la cámara no pare de moverse en las persecuciones
de a pie, nos enteremos de todo lo que acontece), y la ambientación que
acompaña a la época hace el trabajo de vernos inmersos en esas calles. También
sabe manejar a sus actores, que se entregan cuerpo y alma en el film,
destacando un Jack O’Connell como sufridor protagonista (un papel muy físico en
la que el actor resulta altamente creíble por todo lo que le pasa), y a un niño
de 10 años que me pareció increíble por la presencia que desprende en los
minutos que aparece (se come a todos sus compañeros de reparto…y su papel no es
nada fácil para un niño de su edad).En ese sentido ’71, cumple muy bien los
requisitos de una película bien hecha, bien contada y narrada (aunque su final
se alargue un poco).
’71 no es el film definitivo sobre el IRA, ni lo pretende.
Lo que quiere es que sintamos como sería un día por esas calles mortíferas…y lo
cierto es que la experiencia resulta lograda, primero por lo entretenida que
resulta en su propio concepto, y segundo, por la tensión que se logra gracias a
la atmosfera hostil de sus calles. Cierta sobresaturación empacha un poco el
conjunto y no termina de calar hondo en el espectador, pero para tratarse de
una ópera prima, desde luego el resultado es muy digno y bastante recomendable.
GENERALIZANDO: buen debut
Puntuación: 6,5
Crítica extraída de Factoría del cine, escrita por un servidor
Gabe Ibañez debutó en
2009 con su primer largometraje, Hierro, en el que contaba con Elena Anaya como
protagonista. La película (que se presentó en el Festival de Sitges) tuvo una
acogida muy dispar, donde se destacaba el aspecto visual y la interpretación de
su actriz protagonista, pero que echaban en cara un guión muy descuidado y
predecible. Y lo cierto es que no estaban faltos de razón, pues la cinta,
visualmente muy conseguida, no conseguía despertar el interés debido a una
premisa ciertamente interesante, que se desaprovechaba ante un guión
deslavazado que hacía que una vez visionada la cinta…se olvidara prácticamente
de ella. Ahora, el mismo director, vuelve con una propuesta mas ambiciosa, Autómata,
que cuenta como reclamos una historia de ciencia ficción harto llamativa y el
protagonismo de Antonio Banderas. Una vez visionada la cinta, su director
repite las mismas virtudes y defectos de su anterior film.
La sinopsis oficial dice así:
En un futuro no muy lejano, en el que la Tierra sufre una creciente
desertización, Jacq Vaucan (Antonio Banderas), un agente de seguros de una
compañía de robótica, investiga un caso aparentemente rutinario cuando descubre
algo que podría tener consecuencias decisivas para el futuro de la humanidad. Banderas
produce y protagoniza este thriller futurista, que especula sobre lo que
ocurriría si la inteligencia artificial superase a la humana.
Técnicamente, Autómata es un triunfo. Desde sus primeras
imágenes, la película nos sumerge con una facilidad pasmosa en el mundo casi
apocalíptico (y con reminiscencias obvias de Blade Runner) que nos presentan
sus creadores, y desde luego, su trabajo de ambientación es exquisito. La
fotografía de Alejandro Martínez aprovecha al máximo los pasajes del film, y en
cierta medida sabe diferenciar perfectamente el entorno oscuro y decadente de
la ciudad con el desolado desierto de las afueras, manejando un contraste muy
bien empleado y controlando cada plano con suma precisión. Los efectos visuales
se integran en la historia (y no al revés) con gran acierto, pues recurre a
ellos de forma necesaria y no abusiva, y en ningún momentos nos planteamos qué
es digital y qué no lo es (algo meritorio en estos tiempos)...no hay momento
donde estos se noten, y me parece bastante incoherente su ausencia en este
apartado en los premios Goya (algo que escapa a mi incomprensión).Y por último
una banda sonora de Zacarías M. De la Riva EXCELENTE que acompaña a la película
a la perfección (consigue transmitir mejor las sensaciones que se quieren
buscar que su propio guión).
El problema de Autómata es que promete mucho y finalmente da
bastante poco. Me explico: la primera media hora nos sumerge en un mundo muy
bien retratado con una premisa harto interesante que consigue engancharnos de
forma casi inmediata por lo bien que maneja las normas de su propio universo, a
la vez que somos testigos de un relato detectivesco que hasta entonces,
funcionaba bastante bien en su presentación de personajes.¿ Que ocurre? Que a
medida que avanza, el interés decae hasta llegar a unos momentos finales donde
la indiferencia hace acto de presencia, primordialmente por que se cree mas
importante de lo que verdaderamente es. Sus personajes una vez presentados, nos
importan muy poco por lo poco que los desarrolla su guión, que se queda
estancado en una misma idea, hasta repetirla hasta la saciedad, consiguiendo
así una decaída de ritmo evidente y que la perjudica seriamente. Con esto no
quiero decir que el guión sea malo ni nada por el estilo, pero su forma de ejecutar
sus ideas resultan predecibles y tópicas (toda la trama de la empresa…mas vista
que el tebeo).Y finalmente, como pasaba en Hierro, el poso final que deja es de
indiferencia cuando, por las pretensiones que se hacen notar en el film, no era
su objetivo, ni mucho menos.
En el apartado interpretativo tenemos a Antonio Banderas
soportando el peso del relato, y aunque el carisma del actor siempre se hace
notar, quizá este papel le viene demasiado grande (su cojera le va y le viene
por antojo, por que sino, no me lo explico), a pesar de lo correcto que resulta
(excelente en su escena de desesperación en medio del desierto).Del resto del
reparto destacar las apariciones de Melannie Griffith (con tanto bottox en la
cara que el Autómata parece realmente ella), Dylan McDermott (muy agradecido su
cambio de registro y bastante solvente aunque tópico en su guión) y Robert
Foster, interpretaciones que no van mas allá de lo correcto debido a unos
personajes que no dan mas de sí. Es como si sus creadores dejaran que el centro
interpretativo se base en los autómatas, que, desde luego, resultan ser lo
mejor de la función (por cierto…en los créditos figura Javier Bardem como uno
de ellos ¿?)
Autómata es un film que, desde luego, se deja ver gracias a
un apartado audiovisual magnífico que intenta sacar a flote una historia que no
da para saciar un largometraje, estirando las situaciones sin plantear apenas
ideas interesantes (y las que tiene, el público se los ve venir desde
kilómetros) debido a un guión bastante predecible y tópico que, además, no
consigue que conectemos con sus personajes. Aun así, se agradecen sus
pretensiones de rodar un film de ciencia ficción en la que visualmente no tenga
nada que envidiar a Hollywood (y en ese sentido, es un triunfo), y el hecho de
que podamos rodar films de este género mas a menudo.
GENERALIZANDO: cuando la mona se viste de seda....
Puntuación: 5
Crítica extraida de El blog de cine español, escrita por un servidor
No llores ,vuela es uno de esos casos en los que su fecha de
estreno se ha ido posponiendo tanto, que , desde mi punto de vista, pensaba que
finalmente no llegaría a hacerlo en nuestras salas, y es un caso extraño, pues
esta producción lleva gestada desde hace bastante tiempo presentándose en el
Festival de Berlin y en el Festival de Malaga del año pasado, y no se sabía aun
nada de cuando iba a estrenarse tan interesante proyecto. Interesante, por lo
multicultural del proyecto: interpretada por una americana (Jennifer Connelly),
un irlandés (Cillian Murphy), una francesa (Melanie Laurent), dirigidos por la
peruana Claudia Llosa (directora de La teta asustada) y producida por
Francia,Canada y España y rodada en los parajes helados de Canada. Desde luego,
es un batido de lo mas curioso que, ya solo con la presencia de Jennifer
Connelly, merecía, por lo menos, mi atención. Y estamos de suerte ya que el 23
de enero se estrena por fín la película, aunque el resultado diste mucho de ser
excelente.
La sinopsis oficial dice así: No Llores, Vuela cuenta la
historia del encuentro entre una madre (Jennifer Connelly) y su hijo (Cillian
Murphy), separados por un accidente, y que vuelven a unir sus vidas gracias a
una joven periodista (Melanie Laurent).
Dista mucho de ser excelente por que el drama que plantea No
Llores, Vuela, no termina de entrar emocionalmente en el espectador. Un viaje
emocional que durante buena parte de su desarrollo se mantiene estancado
demasiado tiempo sin que tenga un rumbo claro (aunque posee una estupenda
escena de tensión em medio de un lago helado). Hubo instantes en esta película
donde, sinceramente…no sabía que demonios me quería contar ¿una historia de
chamanes? ¿un drama familiar? ¿ un viaje espiritual en busca de la verdad y la
reconciliación? No termina de encontrar un rumbo claro durante buena parte de
su trayecto (lo que es la sinopsis, engaña muchísimo, pues no se explica la
situación hasta bien entrada casi una hora de película) y en es un sus últimos
20 minutos, cuando el relato (por fin) alza el vuelo y nos muestra sus
verdaderas cartas, mostrándose estos los mejores instantes de la cinta, sin
duda. Pues el ritmo e interés de la misma no avanza, o lo hace hacia ninguna
parte, mostrando una frialdad narrativa que en sus últimos minutos consigue
salir del capullo en el que está preso. Durante su primera hora mantiene un
ritmo lánguido que peligra con aborrecer al espectador pero que milagrosamente,
en su último acto, sabe embaucarlo por el buen camino.
Algo a lo que debe atribuirse al estupenda trabajo
interpretativo, que consigue sacar adelante el film (y del que seguro, pasaron
un frío en su rodaje de mil demonios): Jennifer Connelly sigue demostrando que
ha nacido para ser actriz, y desde luego, aquí, aunque no destaque por ser uno
de sus mejores papeles, demuestra una versatilidad y determinación que muestran
su madurez en sus últimas escenas (sobrecogedoras) como actriz que nos deja
encogidos ; Cillian Murphy tiene el papel mas difícil al tratar con un personaje
que, de primeras…no cae bien, aunque lo defiende muy bien con el buen hacer que
caracteriza a este esplendido intérprete ; y Melanie Laurent consigue está
estupenda ante un personaje que también guarda secretos, y lo actriz lo
aprovecha de forma maravillosa con firmeza y delicadeza.
Lo que si me gustaría destacar es lo apropiado del entorno
con la historia que nos quiere transmitir: un paraje completamente helado,
desolado, que enlaza directamente con las emociones de sus protagonistas. Unos
sentimientos congelados en el tiempo y que mantienen un estado de auténtica
frialdad emocional que su directora, y su director de fotografía, aprovechan
bastante bien y con sentido dentro de la película.
No llores, vuela es un drama correcto, bien interpretado cuyo
mayor defecto es su estancamiento narrativo, que dan la sensación de que la
película navega sin rumbo (debido también a unos flashbacks que rompen
constantemente el ritmo interno del relato), aunque afortunadamente en sus
últimos minutos consigue transmitir perfectamente ese estado de reconciliación
emocional que la misma busca. Quizás es demasiado pedir al espectador esperar
tanto tiempo de metraje para que la misma muestre sus verdaderas cartas, y lo
cierto es que al final todo sabe a poco, pero gracias al trabajo de sus
actores, consigue salir del paso. De forma justa, pero lo consigue.
GENERALIZANDO: pse
Puntuación: 5
Crítica extraida de El blog de cine español escrita por un servidor
Argumento:Los Parker son una familia aparentemente estable. El patriarca, decidido a mantener intactas las tradiciones familiares, gobierna con mano de hierro. Como si de la tempestad de lluvia torrencial que acecha la zona se tratase, la tragedia golpea a los Parker cuando las hijas, Iris y Rose, se ven obligados a asumir responsabilidades que van más allá de las de una familia típica. Su tarea más importante, a partir de ahora, será la de poner la carne en la mesa, pero no el tipo de carne que puede encontrarse en el supermercado local. Las autoridades locales empiezan a descubrir pistas que les acercan al secreto que los Parker han mantenido oculto durante años
Lo mejor : la conseguida atmosfera que se respira, casi asfixiante, consiguiendo un retrato de la America profunda bastante desoladora e inquietante ; la elegante puesta en escena de Jim Mickle, siempre en su sitio, y de un control fantástico de todos los medios que tiene entre manos ; una fotografía esplendida, que dibuja el ambiente con colores apagados y sucios ; los actores...excelentes, especialmente el cuarteto familiar, cada uno en su respectivo rol (sobre todo las jovenes...están maravillosas ); una banda sonora de lo mas apropiada (intimista y usandola solo cuando se es necesario) ; el intento de no hacer un mero calco de la original Somos lo que hay...se agradece que vaya por caminos distintos ; y los últimos 10 minutos...indudablemente, los mejores de la cinta.
Lo peor : un guión forzado (y por momentos risible) que impide que me crea cada una de las situaciones que plantea la película (cómo el detéctive empieza a investigar el caso de nuevo...es de traca),ya que hubo tantos momentos que me sacaron de la película que en ningún momento noté una conexión o interés por ella; un ritmo languido que avanza con una lentitud que por momentos, me exhasperó ; sus pretensiones...pues se cree mejor de lo que es (debido, repito, a un guión por momentos inverosimil) ; y que, por mucho que diga la gente...la original mexicana, me pareció mucho mas interesante, mas consecuente con su premisa (y eso que tenía cosas en el guión de juzgado de guardia...imaginense el nivel cuando este remake supera esa sensación) y mas entretenida, desde luego.
La escena: la hermana mayor perdiendo la virginidad...y lo dejo ahí.
Pregunta : ¿ por qué esas críticas tan elogiosas a un remake que será elegante y con buena atmosfera, pero con un guión con mas agujeros de guión que un queso grouyere?
Resumiendo, Somos lo que somos me ha supuesto una decepción, y sin dudarlo, el film mas flojo de su director debido a un guión que pide un salto de fé al espectador demasiado grande en algunas de sus situaciones cuando su planteamiento es realista en su tono...algo que choca muchísimo con un film dramático perturbador al que se ha descuidado su desarrollo. Cierto es que se aleja de la original lo máximo que puede, y se agradece, pero de poco sirve cuando no me creo el relato que me estan contando...eso si, tecnicamente...ningún reproche.
GENERALIZANDO: aburrido e inferior remake
Puntuación: 4,5
