Alma Salvaje (Wild)

Argumento: Tras una serie de trágicas experiencias personales, Cheryl Strayed (Reese Whitpersoon) recorre en solitario más de mil kilómetros a través del desierto de Mojave en un intento de encontrarse a sí misma.

Lo mejor : Reese Withpersoon...creo que se trata de la interpretación mas sincera de toda su carrera, y se mete en el papel de tal forma que no vemos a la actriz en ni un solo instante (además, es de aquellas que parece que ponen "for your consideration", sino todo lo contrario, lo cual, tiene mas merito)...se compromete al cine por cien con el film, y ella consigue levantarla a sus espaldas ; lo hipnótico que resulta el relato...puede que sea por la forma en la que tiene el director de mostrarnos el viaje, pero desde luego, no podía apartar la vista de la pantalla ; un montaje que consigue que sus flashbacks no sean un "mas de lo mismo"...consigue un toque casi Lynchiano que se agradece muchísimo y siempre mantiene el tono y la solidez del mismo en su ritmo narrativo (de lo mas apacible y tranquilo) ; una magnífica fotografía, que aprovecha los paisajes naturales al máximo sin sobresaturar la imagen (desde luego, el recorrido abarca todo tipo de espacios) ; la estupenda selección musical, bastante curiosa para darle cierta personalidad a la cinta ; y que todos los que hemos vivido un viaje similar (yo incluido) se verán reflejados en su personaje central, y lo cierto, es que consigue que nos creamos sus viajes e incluso los pensamientos que rondan por su cabeza...en ese sentido, todo depende del espectador.

Lo peor : creo que el drama familiar que expone, me resulta bastante exagerado, pues al personaje de Cheryl le ocurren todo tipo de desgracias que nos van desvelando poco a poco...por momentos, a mi me sacó por tal acumulación; debido a los breves flashbacks,es dificil meterse en el drama que vive el personaje...por que apenas le da tiempo a desarrollarla ; se echan en falta mas minutos en pantalla para Laura Dern...su interpretación nos sabe a poco ; y que es un film en la que no es fácil conectar...eso si, a todos los que hemos pasado por un viaje de similares características, sabrán que la película, refleja muy bien el sentimiento que se vive en esas circunstancias.

La escena: el inicio
Pregunta : ¿ por que se comenta que es un film sobre la discriminación de la mujer, cuando es un tema que, si, la película toca, pero no pretende profundizar en ello por que la película nos habla de otras cosas, en mi opinión, mucho mas interesantes ?

Resumiendo, Alma Salvaje es un film algo especial y atípico. Nos habla de un viaje emocional, de alcanzar nuestro propio yo atravesando la naturaleza...y para gente que ha vivido una experiencia similar, esta película transmite muy bien esa sensación de un viaje que nos reconcilia a nosotros mismos, que nos hace mas fuertes y mas abiertos a la vida. Su historia en cierta manera, me pareció algo secundario y aunque narrada de forma agradecidamente original (alejada de los tópicos), fué el viaje lo que verdaderamente me cautivó de este film, cuya actriz principal brinda uno de sus mejores trabajos y mas honestos y sinceros de toda su carrera.Solo por eso, le doy una recomendación.

GENERALIZANDO: para los que nos hemos buscado a nosotros mismos a través de un viaje.
Puntuación: 7

Annie (2014)

Argumento:Musical sobre una huérfana que conoce a un rico financiero (Jamie Foxx). Este encuentro cambiará para siempre sus vidas. Remake del musical "Annie", adaptado a la época moderna y con música de Jay-Z.

Lo mejor : Quvenzane Wallis, y no por su interpretación (lo cierto es que no se esfuerza mucho) sino por el carisma y simpatia que desprende la pequeña y que consigue no resultar irritante como lo podía haber sido (vamos...que cae bien) ; Bobby Carnavale, el único que parece controlar la comedia en esta cinta (aquí ejerciendo de villano) ; algún que otro momento musical inspirado (como el inicio) ; y algún que otro apunte cómico medianamente acertado

Lo peor : es irritante, ya que la mayor parte del film se basa en mostrarnos los lujos y los caprichos en los que se ve envuelto la pequeña...con una moraleja final bastante dudosa sobre  las ventajas de ser rico que, desde luego, da mucho que pensar sobre los tiempo de ahora y la juventud que nos espera (que Dios nos coja confesados); se hace extremadamente larga pues sus 118 minutos se antojan excesivos para lo poco que tiene que contar ; unos números musicales rodados con la mayor desgana posible (solo el número protagonizado por Cameron Diaz se salva un poco de la quema); un guión de juzgado de guardia, con unos diálogos que, mejor ni comento (el paseo en helicoptero...con eso digo todo)...y no me vale decir que es una cinta infantil por que lo de esta película no tiene nombre ; Jamie Foxx...insoportable (su número del helicoptero...me dió incluso verguenza ajena), al igual que una Cameron Diaz que se cree graciosa (y no lo es); las canciones...enlatadas a mas no poder, y sin un atisbo de interés como musical...es que no engancha ni una sola ; y que como musical y película infantil se hace aburrida de narices.

La escena: los protagonistas asistiendo a la premiere de una película que se asemeja a Crepúsculo. La escena mas divertida de la película, con una mala leche que se agradece mucho y con unos cameos desternillantes.
Pregunta : ¿ hacia falta este remake? Desde luego...no

Resumiendo, es cierto que no he visto el original de Annie, pero este remake me ha parecido tan mediocre que no se si aventurarme a ver el original y sufrir tanto como sufrí viendo esta película. No llega a niveles de tortura, pero lo cierto es que mi interés por ella se fue desvaneciendo a medida que avanzaba hasta llegar a un punto en el que deseaba que la misma terminara...asi que imaginense...

GENERALIZANDO: un coñazo
Puntuación: 3

Nightcrawler

Nightcrawler supone el debut tras las cámaras del guionista Dan Gilroy ( fue el encargado de los libretos de la película de culto Freejack, la correctita Acero Puro y la maravillosa The Fall). Digo esto, por que viendo sus precedentes no podía esperarme el retrato tan incisivo que desprende su libreto y la dirección de su ópera prima, mas arriesgada de lo que parecía…pero sobre todo se ha venido hablando largo y tendido la interpretación de Jake Gyllenhall en este film, uno de esos actores que durante estos últimos años ha decidido por apostar en proyectos muy interesantes consiguiendo que se convierta en uno de los mejores actores (por no decir, el mejor) de su generación gracias a una versatilidad en cada proyecto que le están haciendo crecer su talento a pasos agigantados (creo firmemente que su punto de inflexión fue a raíz del fracaso de Prince of Persia…pero eso es otra historia). Y en Nightcrawler, desde luego, ofrece una de sus actuaciones mas impactantes y de la que, injustamente, no se ha visto recompensado con una nominación al Oscar, cuando queda palpable el sacrificio del actor ante semejante personaje. Pero vayamos al asunto ¿ Nightcrawler merece la pena mas allá de su interpretación? Tanto, que entrará en mi ranking como lo mejor que podremos ver en 2015.

Louis Bloom (Jake Gyllenhaal) es un joven sin empleo ni escrúpulos que decide adentrarse en el mundo del periodismo sensacionalista tras ser testigo de un brutal accidente.

Con esta premisa es mas que suficiente para describir esta historia, pues, de forma muy resumida, describe perfectamente lo que es el film…y este no te engaña lo mas mínimo. Su historia la exprime hasta sus últimas consecuencias, y la sensación que queda al finalizar la proyección, es que el espectador se ha visto recompensado ante un relato que va directo a la yugular, sin compasión, sin florituras. Un retrato descarnado de una sociedad que se mueve por pura desesperación y egoísmo, siendo claro y conciso en su discurso. Y funciona maravillosamente bien por que nos pone como absoluto protagonista a un hombre sin compasión, sin alma y del que el mismo se describe como alguien que no gusta a las personas…me recordó en cierta medida al personaje de Gordon Gekko en Wall Street, pero dejando que esta vez, sea este el protagonista y no el secundario (como ocurría con el film de Oliver Stone). Aptitudes similares para un mismo fin sean cuales sean las consecuencias…y funciona increíblemente bien. El guión, cargado de un humor negro muy agradecido, transmite una sensación de desesperación y asfixia, que se describe perfectamente en los dos personajes que rodean al protagonista…su jefa Nina (Renne Russo) y su “becario” Rick (Riz Ahmed), los polos opuestos de una sociedad inmersa en plena crisis, y que con solo estos dos, consigue hacer una descripción de cómo funciona un sistema depredador, como si fuera Louis un titiritero que mueve a sus muñecos a su antojo.

Pero la dirección de Dan Gilroy no se queda atrás…para tratarse de una ópera prima, desde luego su director maneja los resortes del cine con una profesionalidad mucho mas elevada que otros que llevan en el gremio años y años. El pulso narrativo de sus diálogos es fantástico (atención a la cena en un mexicano entre Nina y Louis...una de las relaciones mas enfermizas que he visto en pantalla desde hace tiempo), la tensión que maneja es precisa y manejada con mano maestra (Louis metiéndose en una casa al escuchar disparos), y las escenas de acción resultan fantásticas gracias a un montaje esplendido que permite que nos enteremos de todo y con un sentido del ritmo plausible (el maravilloso clímax). Pero en lo que mas destaca Gilroy es a la hora de trabajar su atmosfera…enfermiza, asfixiante y muy, pero que muy perturbadora…creo que se trata del film mas perturbador que se estrenará este año debido al tono alienado que adopta de su protagonista y del ambiente que le rodea, pues asusta por lo creíble que puede resultar esta visión sin escrúpulos de la sociedad y ,en especial, de la ciudad de Los Angeles (desde luego, la imagen de la ciudad, no sale muy bien parada).Cierto es que agarra de excesos (Louis conduciendo a toda velocidad por la ciudad sin ningún tipo de retención), pero no desentona debido a cómo nos presenta a la ciudad y a su gente…una ciudad sin ley en su máxima expresión. Resumidamente…la dirección de Dan Gilroy es de una solidez increíble para tratarse de una ópera prima.

Y luego esta Jake Gyllenhal…su interpretación en esta película es increíble por que, a cambio del carisma que ofrecía Gordon Gekko…este personaje carece de él. Su personaje cae mal al resto de la humanidad y el actor consigue esa sensación alienada de su personaje a la perfección, tanto en su tratamiento físico (el actor adelgazó muchísimo para este papel) como psicológico (maravilloso momento cuando entra por primera vez a los estudios de TV junto a Nina).Desde el minuto uno, Gyllenhall ofrece un recital imprevisible (nunca sabemos cómo reaccionará), que le permite explayarse a gusto (desde luego, el actor se lo tuvo que pasar en grande) y que se mete en un personaje difícil como si fuera una lapa…no se despega de el ni un solo instante. Un personaje perdurable al igual que su interpretación, que, inmerecidamente, no se ha visto recompensado en los premios de la Academia. Tampoco me gustaría olvidar a una genialmente recuperada Rene Russo (que mantiene unas escenas con Gyllenhall sencillamente, explosivas) , un Riz Ahmed fantástico (qué bien perfila a su personaje…y su tratamiento en el guión es impecable) y un estupendo Bill Paxton (cuyo papel es la competencia de nuestro protagonista).

Y si todo esto fuera poco, el film cuenta con una fotografía que retrata la ciudad de Los Angeles como si fuera un purgatorio, donde viven almas desesperadas por sobrevivir (siendo nocturna en la mayor parte de su recorrido), un montaje esplendido que permite que el ritmo no nos despegue ni por un solo instante de la pantalla (no sufre ningún altibajo grave) y sobre todo una banda sonora de James Newton Howard que ha sabido captar la visión enfermiza y perturbadora de su director a la película, metiéndose la música en la piel de su protagonista Louis, y transmitiendo los momentos emocionales de este, creando un contraste con lo que vemos brutal, transmitiendo esa sensación perversa y malsana que sus creadores quieren transmitir (atención al momento cuando Louis se deleita con el plano ante un seguro cadáver y la música nos transmite su sensación de triunfo…un momento enfermizo).

Nightcrawler es así una de las cintas imprescindibles de 2015. No es una obra maestra ni mucho menos, pero meditándola, creo firmemente que cumple con todos los objetivos que se propone, que no son pocos. Y a día de hoy, una película que ofrezca solidez, rotundidad y eficacia en su discurso se merece mi atención y mi admiración, en unos tiempos de corrección de los que, Nightcrawler, huye. Un retrato despiadado del periodismo, de la sociedad, de la crisis, de Los Angeles….un film imprescindible.

GENERALIZANDO: sordida y perturbadora

Puntuación: 9

Las ovejas no pierden el tren

“Cumplir con las expectativas se esta convirtiendo en misión imposible y caer en el desánimo es ciertamente fácil hoy en día. ¿Pero, por qué no darle la vuelta a este planteamiento? ¿Por qué no desterrar esa expresión que dice que los trenes pasan una vez en la vida?. De esta premisa surgió Las ovejas no pierden el tren, una película nacida de un momento de auténtico colapso social. Sin ser una historia autobiográfica, me siento identificado con muchas de las situaciones de la película, y de casi todos los personajes tengo un referente “de carne y hueso” en el que me he inspirado. En ese sentido, esta es una comedia esencialmente contemporánea, ya que el concepto en el que se mueven los personajes es el que no está tocando vivir. Pero no pretendo hacer ningún retrato social del momento, sino mas bien un relato intimista y divertido de cómo sobreponerse al día a día. Es una comedia de personajes: de ellos parte todo, y ellos son el auténtico motor de la historia…” así nos describe su director Álvaro Fernandez Amrero en las (estupendas) notas de producción de la película como ha trabajo su película, Las ovejas no pierden el tren…y en cierta parte, la película lo expresa bastante bien, aunque es una lástima que se quede en meramente correcto un relato que podía haber dado mas juego.

Después de 6 años de casados, Luisa (Inma Cuesta) y Alberto (Raúl Arevalo) se han visto abocados a irse a vivir al campo, pero la idílica vida rural enseguida empezará a mostrar su cara menos amable. Mientras Luisa baja a Madrid a diario, Alberto lidia como puede con su crisis personal y laboral mientras se encarga del cuidado de su único hijo, Lucas, y trata de evitar a Manolo, un pastor que parece ser el único habitante del pueblo fantasma al que han recalado. A pesar de que la pareja no atraviesa sus mejores momentos, Luisa esta obsesionada con tener su segundo hijo, aunque el precio sea el sexo mas apático imaginable. Quien ni se plantea pisar el campo es Juan (Alberto San Juan), el hermano de Alberto, quien desde que se divorció no quiere enfrentarse a ningún drama. Con 45 años y periodista en horas bajas, sale con Natalia (Irene Escolar), una joven entusiasta de 25 años en la que ve una tabla de salvación, aunque no haya previsto las locuras propias de su edad. Por su parte la hermana de Luisa, Sara (Candela Peña), está acostumbrada a canalizar su ansiedad a través de los hombres, con quienes no acaba de encajar, hasta que aparece Paco (Jorge Bosch), un periodista deportivo que parece incluso dispuesto a llevarla al altar. O eso cree ella…

Las ovejas no pierden el tren es una película amable. Con esto quiero decir que el film, lejos de arriesgar, se propone hacer pasar un rato ameno y entretenido al espectador, y en ese sentido, su objetivo está cumplido. Lejos de ser pretenciosa (aunque en algún que otro momento quiera entrar por ese terreno) el film apuesta por una sencillez que la beneficia bastante gracias a la simpatía de sus personajes, pilar fundamental del film y que están descritos y desarrollados en su guión de forma estupenda. Las intenciones de los personajes y sus respetivas (y peculiares) personalidades quedan reflejadas desde el primer minuto y sabe desarrollarlos con buen hacer hasta su ejecución, algo nada fácil en el género de la comedia. Puede que resulte previsible (intuimos el destino de cada personaje), pero no molesta por lo cuidados y bien desarrollados que están. En ese sentido, se agradece mucho contar con unos personajes que se meten al público de calle…

El problema que le veo es que nunca termina de despegar…los dos géneros que pretende unir (comedia y drama social) se quedan estancados sin llegar al límite de sus posibilidades, y eso concluye con una sensación de intrascendencia bastante alarmante. Lo que consiguen sus personajes (como dije, bien trabajados), no lo consiguen las situaciones a los que se ven abocados, en mi opinión, poco aprovechadas (quizá debido al intentar unir todas las historias como puede). Tan poco aprovechadas en ese sentido, que deja incluso historias sin responder (como lo que respecta al padre de Alberto y Juan…hay  un instante que plantea una situación y ni la propia película se digna en explicar como se resuelve). El público, al finalizar la proyección, se quedará con un regusto amable, si, pero también con otra bien distinta de que ni se ha reído tanto ni se ha conmovido como el film pretendía…y es una lástima, porque había posibilidades, y con tal de ir sobreseguro se queda en un punto intermedio sin que sobresalga en casi ninguno de sus aspectos, debido también a una puesta en escena de lo mas funcional (aunque no es algo muy achacable en este caso).

Aunque si por algo destaca Las ovejas no pierden el tres es por un estupendo reparto donde todos realizan un excelente trabajo : Raúl Arevalo maneja este tipo de personajes a la perfección, y aquí no iba a ser menos (atención a las escenas en las que discute con su mujer) ;Inma Cuesta está EXCELENTE y resulta creíble en todas y cada una de las escenas que protagoniza  (esta mujer, devora la pantalla); Alberto San Juan está estupendo en un rol que le viene como anillo al dedo (aunque su personaje se pudo jugar mas dramáticamente…pero aún así, bien perfilado); Candela Peña disfruta con su papel, aunque por momentos parece forzar la comedia sin conseguirlo debido a eso mismo (aunque sus momentos dramáticos funcionan mucho mejor, desde luego…será que el drama se le da de perlas a esta actriz); Jorge Bosch está la mar de correcto (atención a la escena de la comida familiar); Irene Escolar está maravillosa con un papel para nada fácil (y que consigue una naturalidad encantadora…su presentación con el BlaBlaCar es impagable); y lo agradecido que es tener en pantalla a Kiti Mánver (siempre es un placer ver a esta actriz en pantalla). Todos los actores dan la talla y se les nota cómodos con sus respectivos personajes.

Así, Las ovejas no pierden el tren es una película de fácil digestión y de fácil olvido, pero durante su visionado entretiene con una facilidad pasmosa, lo cual, hace que el balance se incline mas por lo positivo. Gracias a unos personajes y a unos actores entregados, consiguen la simpatía de los espectadores que, seguramente esperarían mas carcajadas, pero que lamentablemente, da para una modesta sonrisa. A pesar de ello, no es una mala elección si os decantáis por ir a verla, ya que su resultado, es de lo mas agradable.

GENERALIZANDO: vistosilla

Puntuación: 6

Crítica escrita para la página El blog de el cine español, redactada por aquí un servidor

Into the woods

Argumento:El musical entremezcla argumentos de distintos cuentos de los Hermanos Grimm (Cenicienta, Caperucita Roja, Rapunzel) intentando analizar las consecuencias de los actos y deseos de sus protagonistas.

Lo mejor : la ligereza de su primera hora y cuarto, que permite que el espectador disfrute ante un cuento encantador, entrañable, divertido y muy entretenido en la que su falta de pretensiones  la beneficia tanto que el espectador asiste durante todo este tramo con una sonrisa de oreja a oreja...sobre todo, por que contagia el entusiasmo y la simpatía al espectador ; los actores...sin excepción, pues estan impecables, aunque hay dos destacables...: una Meryl Streep que borda todo lo que toca y que aquí no iba a ser menos, pasándoselo en grande y con una voz que nos deja con el culo torcido (su número final, "The Last Midnight" es CREMITA FINA) ; y ,sobre todo, una increílbe Emily Blunt, la roba escenas de la película, disfrutando cada escena, cada plano del film como si fuera una auténtica fiesta, contagiando su entuasiamo al espectador...lo dicho, su interpretación hechiza al público (atención a su divertidísimo y genial número "Moments in the Woods") ; la apuesta por su sencillez...sus números musicales no son un alarde de artificio visual, dejando que sea la letra y su música lo importante del momento, y aunque quizá se eche en falta cierta garra visual, funciona por lo sencillo y por lo teatral que resulta todo; su estupendo (y mágico) diseño de producción...sus 50 millones aparentan mas, a pesar de lo sencillo de su propuesta visual; por supuesto...la música de Sondheim y sus canciones (atención al maravilloso It Takes Two)...algo inevitable y lógico ; su visión de los cuentos...desde luego, su segunda parte contiene las partes mas interesantes de la historia, tergiversando los cuentos y transmitiendo perfectamente lo que su propio cartel propone..."cuidado con lo que deseas" ; y los huevos de Disney de producir un film que de infantil...tiene bien poco.

Lo peor: sus últimos 45 minutos...y es extraño cuando en su guión posee las ideas mas interesantes de la propuesta, pero es que por desgracia, no funciona...y no lo hace por varias razones...el ritmo de la película se resiente debido al error de que parece que no estén contando otra película estirando mas el chicle (algo que podrá funcionar en los intermedios teatrales...aquí no por lo abrupto que es), por un cambio tonal tan bestia que descoloca al espectador ante una parte final trágica y desesperanzadora que no tiene nada que ver con el tono ligero de su primera parte (y podría funcionar si estuviera bien hilado...pero no lo está), por su precipitación en los acontecimientos (todo ocurre demasiado deprisa y sin mucho sentido como el caso de Rapunzel...se olvidan de ella, sin mas), y sobre todo, por unas muertes que me parecieron de juzgado de guardia ante la poca importancia que se les da (bueno, para mas inri, hay una que incluso es ridícula por que da por hecho que los sabemos SPOILERS COMO UNA CASA...como el de la madre de Jack, que lo sabemos por que despues de 20 minutos nos lo dice el panadero...y el de la señora Baker podría decir lo mismo ¿ que manera de matar a una protagonista es esa? FIN DE SPOILER).

La escena: el número "Your Falt" con todos los protagonistas esquivando el bulto para despues finalizar con el número "The Last Midnight" (dos momentazos) y sus primeros 15 minutos, una presentación perfecta.
Pregunta : ¿ por que se esta promocionando tanto que sale Johnny Depp cuando lo suyo es casi un cameo ?

Resumiendo, Into the Woods es un musical arriesgado...arriesgado por quien la produce (Disney) y lo que finalmente es el producto...una ácida, oscura y trágica visión de los cuentos que contrasta con una primera mitad que es puro Disney (con algún toque malicioso, eso si).Su autor, Stephen Sondheim (no así su director Rob Marshall, que prefiere pasar desapercibido) deja imprenta en esta obra, pero donde otros han acertado de pleno en captar su esencia (ahí entra de lleno Tim Burton y su genial Sweeney Todd que era puro Sondheim), aquí se intenta, pero no desarrolla bien, pegando una saltos tonales tan bruscos que la misma pelícla hace que carzca de solidez. A pesar de ello, muy disfrutable, sin duda (sobre todo por sus actores)

GENERALIZANDO: extraño musical
Puntuación: 7

La conspiración del silencio

 Es extraño que con todas las películas que se han rodado sobre el tema de la Segunda Guerra Mundial, prácticamente ninguna haya tratado sobre aquellos que movieron fichas con tal descubrir la verdad sobre Auswichtz. Lo digo, por que fue uno de los momentos mas decisivos de la historia de Alemania, y aún no se había contado nada sobre la historia de estos héroes que se enfrentaron a medio país sacando a relucir las verdades que permanecían ocultas en la Alemania de la posguerra. La conspiración del silencio es la primera de ellas que profundiza en el tema y viene rodada desde Alemania (qué mejor que ellos para contar este relato) y ,lo cierto, es que este film sirve como tributo a unas personas cuyo único fin es que la verdad saliera a la luz ante un país silencioso y temeroso, que desconocía o formaba parte de los hechos…un tema bastante delicado que, gracias al buen hacer del director, consigue que su mensaje, sea universal.

El joven fiscal Johann Radmann encuentra unos documentos que le permiten poner en marcha un proceso judicial contra algunos miembros de las SS que sirvieron en Auschwitz. Pero los horrores del pasado y la hostilidad hacia su trabajo lo llevan cerca del colapso, pues le resulta casi imposible abrirse paso a través de un laberinto en el que todo el mundo parece estar implicado o ser culpable.

Creo que me extenderé poco en esta crítica, primordialmente, por que la corrección que hay en ella lo dice todo de si misma. El relato, de dos horas, mantiene un ritmo sólido durante toda su proyección sin sufrir altibajos, narrando la historia con efectiva solidez sin que, en ningún momento, se les escape de las manos. En ese sentido, su dirección es estupenda al manejar todos sus elementos con una efectividad pasmosa que hacen el relato llevadero, como si de un thriller se tratara : podría destacar el trabajo interpretativo (estupendo protagonista), su trabajo de ambientación (excelente), un montaje muy adecuado, una banda sonora efectiva…todo en La conspiración del silencio funciona con sobrada corrección y buen hacer, pero me quedo con el rotundo mensaje que desprende y la atmosfera (casi terrorífica) de vivir en un país repleto de asesinos sin tener un juicio justo. Su visión de la justicia la tiene muy clara y su guión consigue que sus personajes vayan desarrollando su propia pensamiento en torno a su rectitud.

El único problema que veo en el film es algo que he comentado antes: su corrección. Resulta tan convencional en sus formas que aquí un espectador, quizá, pedía mas riesgo en el relato, aunque solo fuera en su puesta en escena. Hay infinidad de detalles en su historia que podrían dar muchísimo juego (el papel de los verdugos y su visión), pero el film se decanta por marchar sobreseguro, y en todo momento, el espectador sabe lo que va a pasar (quizá un espectador no muy aficionado al cine no lo sepa, está claro).Básicamente, el film pretende ampliar todo el margen de público que pueda, y eso se nota en una dirección harto eficaz…pero también muy poco arriesgada y bastante convencional, debido también a que sabemos lo que va a pasar, pero, por ejemplo, Brian Synger consiguió con Valkyria que por un momento, pensáramos que Hitler había muerto…y todos sabíamos de antemano que eso no ocurrió. En lo que la película protagonizada por Tom Cruise había pasión por unos hechos que ya conocíamos y que vivíamos como nuevos…aquí no ocurre, pese a sus buenas intenciones.

Aun así La conspiración del silencio es buen cine. Buen cine por el mero hecho de agitar conciencias ante un tema delicado que puede llevarse a cualquier zona que haya pasado por algo parecido (en nuestro país es el mejor ejemplo).Un silencio que debe romperse y no por el mero hecho de hacer justicia…sino por que se descubra la verdad. Una verdad cruel y dolorosa para muchos, pero necesaria para demostrar la entereza de una justicia democrática. Monstruos en la piel de cordero escondidos durante años y que gracias a ciertas personas, consiguieron que salieron a la luz sus verdaderas caras. Una película que, a pesar de resultar algo convencional en lo que concierne a su desarrollo, resulta necesaria para dar a conocer a unos valientes que elevaron la voz mas que el resto de su país.

GENERALIZANDO: buena

Puntuación: 7

Crítica extraída de Factoría del cine, escrita por un servidor

'71

Películas centradas en el tema del IRA hay muchas : desde La Sombra del Diablo (aquel film de Harrison Ford y Brad Pitt del que ya casi nadie se acuerda…ni siquiera yo, y del que hace bien poco Brad Pitt declaró que fue el film del que mas se arrepiente haber interpretado),Cinco minutos de gloria (interesante film protagonizado por un gran Liam Neeson),Juego de Patriotas, Desayuno en Plutón (aunque en este film el tema er algo secundario), El viento que agita la cebada (estupendo film de Loach), The Boxer (película…que olvidé profundamente), Juego de Lágrimas (magnífico film de Neil Jordan), En el nombre del padre (la película mas famosa sobre el IRA y todo un clásico) hasta la que me parece la mejor película que trata este tema, Michael Collins (otra maravilla de Neil Jordan).Me gustaría poner Bloody Sunday de Paul Greengrass pero lamentablemente no la he visto, así que no puedo opinar, pero todos lo que la han visto están de acuerdo en que el film ’71, que llega a nuestras pantallas, bebe mucho de aquella película...y aunque dicho film lo tenga pendiente, en lo que si estoy de acuerdo, es que el film que aquí nos ocupa toma prestado el nervio narrativo del director de United 93.

Un joven soldado británico (Jack O’Connell) es abandonado accidentalmente por su unidad durante unos disturbios en las calles de Belfast en 1971.Incapaz de distinguir entre amigos y enemigos, y cada vez mas desconfiado de sus propios compañeros, el inexperto recluta deberá intentar sobrevivir toda la noche solo y encontrar su camino de vuelta a través de un paisaje desconcertante, extraño y mortal.

La gran ventaja que posee ’71 reside ya en su propia premisa: la película es una persecución continua por las calles de Belfast donde apenas hay un momento de descanso para nuestro protagonista…y todo ocurre en un día. Lo que conlleva a un ritmo, no vertiginoso, pero si que mantiene al espectador en continua tensión por ver como se las apañara el soldado para salir del entuerto en el que se anda metido. En ese sentido, el pulso narrativo de su director (que aquí debuta en el largometraje…le tendremos en cuenta para futuros proyectos) es loable y vigoroso, ya que la película está en continuo movimiento construyendo la misma a base de “set pieces” de tensión muy logradas y con mucho nervio. Nos hace testigos de unas calles donde el peligro acecha en cada esquina, y esa sensación está realmente lograda por el cineasta (el primer ataque es puro nervio con una tensión muy bien llevada), que toma prestado el estilo del director Paul Greengrass con una cámara en continuo movimiento, de forma que lo que vemos está ejecutado con la mayor sequedad posible (atención a la magnífica escena de la bomba).

Pero también conlleva a un problema que, es lógico tratándose de una ópera prima: a veces sobresatura tanto la tensión que llega incluso a cansar. Muchos diréis que en el cine de Paul Greengrass también ocurre, pero a diferencia de aquí, consigue un crescendo de tensión muy bien dosificado que hace que incluso se te salga el corazón por la boca. Aquí lo intenta añadiendo mas problemas al protagonista, pero nunca sentimos que haya un crescendo emocional intenso cuando el relato lo pedía a gritos. Esto se debe, como he dicho, a que alarga de forma innecesaria, escenas de tensión que se tornan algo pesadas por su incesante estructura de persecución, y también por que el film quiere atacar por varios frentes (no solo el IRA tiene parte de culpa en todo esto…) sin que se profundice demasiado en ello. Se agradece su sequedad narrativa (en cuanto a lo emocional, especialmente), pero también se echa en falta mas profundidad, quedándose meramente en la superficie, y que su tensión la vivamos con uña y carne y no a base de sobresaturación.

Pero a pesar de todo, para tratarse de una ópera prima, resulta meritoria su ejecución. Sobre todo por que maneja bastante bien los resortes del montaje (aunque la cámara no pare de moverse en las persecuciones de a pie, nos enteremos de todo lo que acontece), y la ambientación que acompaña a la época hace el trabajo de vernos inmersos en esas calles. También sabe manejar a sus actores, que se entregan cuerpo y alma en el film, destacando un Jack O’Connell como sufridor protagonista (un papel muy físico en la que el actor resulta altamente creíble por todo lo que le pasa), y a un niño de 10 años que me pareció increíble por la presencia que desprende en los minutos que aparece (se come a todos sus compañeros de reparto…y su papel no es nada fácil para un niño de su edad).En ese sentido ’71, cumple muy bien los requisitos de una película bien hecha, bien contada y narrada (aunque su final se alargue un poco).

’71 no es el film definitivo sobre el IRA, ni lo pretende. Lo que quiere es que sintamos como sería un día por esas calles mortíferas…y lo cierto es que la experiencia resulta lograda, primero por lo entretenida que resulta en su propio concepto, y segundo, por la tensión que se logra gracias a la atmosfera hostil de sus calles. Cierta sobresaturación empacha un poco el conjunto y no termina de calar hondo en el espectador, pero para tratarse de una ópera prima, desde luego el resultado es muy digno y bastante recomendable.

GENERALIZANDO: buen debut

Puntuación: 6,5

Crítica extraída de Factoría del cine, escrita por un servidor

Autómata

 Gabe Ibañez debutó en 2009 con su primer largometraje, Hierro, en el que contaba con Elena Anaya como protagonista. La película (que se presentó en el Festival de Sitges) tuvo una acogida muy dispar, donde se destacaba el aspecto visual y la interpretación de su actriz protagonista, pero que echaban en cara un guión muy descuidado y predecible. Y lo cierto es que no estaban faltos de razón, pues la cinta, visualmente muy conseguida, no conseguía despertar el interés debido a una premisa ciertamente interesante, que se desaprovechaba ante un guión deslavazado que hacía que una vez visionada la cinta…se olvidara prácticamente de ella. Ahora, el mismo director, vuelve con una propuesta mas ambiciosa, Autómata, que cuenta como reclamos una historia de ciencia ficción harto llamativa y el protagonismo de Antonio Banderas. Una vez visionada la cinta, su director repite las mismas virtudes y defectos de su anterior film.

La sinopsis oficial dice así: En un futuro no muy lejano, en el que la Tierra sufre una creciente desertización, Jacq Vaucan (Antonio Banderas), un agente de seguros de una compañía de robótica, investiga un caso aparentemente rutinario cuando descubre algo que podría tener consecuencias decisivas para el futuro de la humanidad. Banderas produce y protagoniza este thriller futurista, que especula sobre lo que ocurriría si la inteligencia artificial superase a la humana.

Técnicamente, Autómata es un triunfo. Desde sus primeras imágenes, la película nos sumerge con una facilidad pasmosa en el mundo casi apocalíptico (y con reminiscencias obvias de Blade Runner) que nos presentan sus creadores, y desde luego, su trabajo de ambientación es exquisito. La fotografía de Alejandro Martínez aprovecha al máximo los pasajes del film, y en cierta medida sabe diferenciar perfectamente el entorno oscuro y decadente de la ciudad con el desolado desierto de las afueras, manejando un contraste muy bien empleado y controlando cada plano con suma precisión. Los efectos visuales se integran en la historia (y no al revés) con gran acierto, pues recurre a ellos de forma necesaria y no abusiva, y en ningún momentos nos planteamos qué es digital y qué no lo es (algo meritorio en estos tiempos)...no hay momento donde estos se noten, y me parece bastante incoherente su ausencia en este apartado en los premios Goya (algo que escapa a mi incomprensión).Y por último una banda sonora de Zacarías M. De la Riva EXCELENTE que acompaña a la película a la perfección (consigue transmitir mejor las sensaciones que se quieren buscar que su propio guión).

El problema de Autómata es que promete mucho y finalmente da bastante poco. Me explico: la primera media hora nos sumerge en un mundo muy bien retratado con una premisa harto interesante que consigue engancharnos de forma casi inmediata por lo bien que maneja las normas de su propio universo, a la vez que somos testigos de un relato detectivesco que hasta entonces, funcionaba bastante bien en su presentación de personajes.¿ Que ocurre? Que a medida que avanza, el interés decae hasta llegar a unos momentos finales donde la indiferencia hace acto de presencia, primordialmente por que se cree mas importante de lo que verdaderamente es. Sus personajes una vez presentados, nos importan muy poco por lo poco que los desarrolla su guión, que se queda estancado en una misma idea, hasta repetirla hasta la saciedad, consiguiendo así una decaída de ritmo evidente y que la perjudica seriamente. Con esto no quiero decir que el guión sea malo ni nada por el estilo, pero su forma de ejecutar sus ideas resultan predecibles y tópicas (toda la trama de la empresa…mas vista que el tebeo).Y finalmente, como pasaba en Hierro, el poso final que deja es de indiferencia cuando, por las pretensiones que se hacen notar en el film, no era su objetivo, ni mucho menos.

En el apartado interpretativo tenemos a Antonio Banderas soportando el peso del relato, y aunque el carisma del actor siempre se hace notar, quizá este papel le viene demasiado grande (su cojera le va y le viene por antojo, por que sino, no me lo explico), a pesar de lo correcto que resulta (excelente en su escena de desesperación en medio del desierto).Del resto del reparto destacar las apariciones de Melannie Griffith (con tanto bottox en la cara que el Autómata parece realmente ella), Dylan McDermott (muy agradecido su cambio de registro y bastante solvente aunque tópico en su guión) y Robert Foster, interpretaciones que no van mas allá de lo correcto debido a unos personajes que no dan mas de sí. Es como si sus creadores dejaran que el centro interpretativo se base en los autómatas, que, desde luego, resultan ser lo mejor de la función (por cierto…en los créditos figura Javier Bardem como uno de ellos ¿?)

Autómata es un film que, desde luego, se deja ver gracias a un apartado audiovisual magnífico que intenta sacar a flote una historia que no da para saciar un largometraje, estirando las situaciones sin plantear apenas ideas interesantes (y las que tiene, el público se los ve venir desde kilómetros) debido a un guión bastante predecible y tópico que, además, no consigue que conectemos con sus personajes. Aun así, se agradecen sus pretensiones de rodar un film de ciencia ficción en la que visualmente no tenga nada que envidiar a Hollywood (y en ese sentido, es un triunfo), y el hecho de que podamos rodar films de este género mas a menudo.

GENERALIZANDO: cuando la mona se viste de seda....

Puntuación: 5 

Crítica extraida de El blog de cine español, escrita por un servidor

No llores, vuela

No llores ,vuela es uno de esos casos en los que su fecha de estreno se ha ido posponiendo tanto, que , desde mi punto de vista, pensaba que finalmente no llegaría a hacerlo en nuestras salas, y es un caso extraño, pues esta producción lleva gestada desde hace bastante tiempo presentándose en el Festival de Berlin y en el Festival de Malaga del año pasado, y no se sabía aun nada de cuando iba a estrenarse tan interesante proyecto. Interesante, por lo multicultural del proyecto: interpretada por una americana (Jennifer Connelly), un irlandés (Cillian Murphy), una francesa (Melanie Laurent), dirigidos por la peruana Claudia Llosa (directora de La teta asustada) y producida por Francia,Canada y España y rodada en los parajes helados de Canada. Desde luego, es un batido de lo mas curioso que, ya solo con la presencia de Jennifer Connelly, merecía, por lo menos, mi atención. Y estamos de suerte ya que el 23 de enero se estrena por fín la película, aunque el resultado diste mucho de ser excelente.

La sinopsis oficial dice así: No Llores, Vuela cuenta la historia del encuentro entre una madre (Jennifer Connelly) y su hijo (Cillian Murphy), separados por un accidente, y que vuelven a unir sus vidas gracias a una joven periodista (Melanie Laurent).

Dista mucho de ser excelente por que el drama que plantea No Llores, Vuela, no termina de entrar emocionalmente en el espectador. Un viaje emocional que durante buena parte de su desarrollo se mantiene estancado demasiado tiempo sin que tenga un rumbo claro (aunque posee una estupenda escena de tensión em medio de un lago helado). Hubo instantes en esta película donde, sinceramente…no sabía que demonios me quería contar ¿una historia de chamanes? ¿un drama familiar? ¿ un viaje espiritual en busca de la verdad y la reconciliación? No termina de encontrar un rumbo claro durante buena parte de su trayecto (lo que es la sinopsis, engaña muchísimo, pues no se explica la situación hasta bien entrada casi una hora de película) y en es un sus últimos 20 minutos, cuando el relato (por fin) alza el vuelo y nos muestra sus verdaderas cartas, mostrándose estos los mejores instantes de la cinta, sin duda. Pues el ritmo e interés de la misma no avanza, o lo hace hacia ninguna parte, mostrando una frialdad narrativa que en sus últimos minutos consigue salir del capullo en el que está preso. Durante su primera hora mantiene un ritmo lánguido que peligra con aborrecer al espectador pero que milagrosamente, en su último acto, sabe embaucarlo por el buen camino.

Algo a lo que debe atribuirse al estupenda trabajo interpretativo, que consigue sacar adelante el film (y del que seguro, pasaron un frío en su rodaje de mil demonios): Jennifer Connelly sigue demostrando que ha nacido para ser actriz, y desde luego, aquí, aunque no destaque por ser uno de sus mejores papeles, demuestra una versatilidad y determinación que muestran su madurez en sus últimas escenas (sobrecogedoras) como actriz que nos deja encogidos ; Cillian Murphy tiene el papel mas difícil al tratar con un personaje que, de primeras…no cae bien, aunque lo defiende muy bien con el buen hacer que caracteriza a este esplendido intérprete ; y Melanie Laurent consigue está estupenda ante un personaje que también guarda secretos, y lo actriz lo aprovecha de forma maravillosa con firmeza y delicadeza.

Lo que si me gustaría destacar es lo apropiado del entorno con la historia que nos quiere transmitir: un paraje completamente helado, desolado, que enlaza directamente con las emociones de sus protagonistas. Unos sentimientos congelados en el tiempo y que mantienen un estado de auténtica frialdad emocional que su directora, y su director de fotografía, aprovechan bastante bien y con sentido dentro de la película.

No llores, vuela es un drama correcto, bien interpretado cuyo mayor defecto es su estancamiento narrativo, que dan la sensación de que la película navega sin rumbo (debido también a unos flashbacks que rompen constantemente el ritmo interno del relato), aunque afortunadamente en sus últimos minutos consigue transmitir perfectamente ese estado de reconciliación emocional que la misma busca. Quizás es demasiado pedir al espectador esperar tanto tiempo de metraje para que la misma muestre sus verdaderas cartas, y lo cierto es que al final todo sabe a poco, pero gracias al trabajo de sus actores, consigue salir del paso. De forma justa, pero lo consigue.

GENERALIZANDO: pse

Puntuación: 5

Crítica extraida de El blog de cine español escrita por un servidor

Somos lo que somos

Argumento:Los Parker son una familia aparentemente estable. El patriarca, decidido a mantener intactas las tradiciones familiares, gobierna con mano de hierro. Como si de la tempestad de lluvia torrencial que acecha la zona se tratase, la tragedia golpea a los Parker cuando las hijas, Iris y Rose, se ven obligados a asumir responsabilidades que van más allá de las de una familia típica. Su tarea más importante, a partir de ahora, será la de poner la carne en la mesa, pero no el tipo de carne que puede encontrarse en el supermercado local. Las autoridades locales empiezan a descubrir pistas que les acercan al secreto que los Parker han mantenido oculto durante años

Lo mejor : la conseguida atmosfera que se respira, casi asfixiante, consiguiendo un retrato de la America profunda bastante desoladora e inquietante ; la elegante puesta en escena de Jim Mickle, siempre en su sitio, y de un control fantástico de todos los medios que tiene entre manos ; una fotografía esplendida, que dibuja el ambiente con colores apagados y sucios ; los actores...excelentes, especialmente el cuarteto familiar, cada uno en su respectivo rol (sobre todo las jovenes...están maravillosas ); una banda sonora de lo mas apropiada (intimista y usandola solo cuando se es necesario) ; el intento de no hacer un mero calco de la original Somos lo que hay...se agradece que vaya por caminos distintos ; y los últimos 10 minutos...indudablemente, los mejores de la cinta.

Lo peor : un guión forzado (y por momentos risible) que impide que me crea cada una de las situaciones que plantea la película (cómo el detéctive empieza a investigar el caso de nuevo...es de traca),ya que hubo tantos momentos que me sacaron de la película que en ningún momento noté una conexión o interés por ella; un ritmo languido que avanza  con una lentitud que por momentos, me exhasperó ; sus pretensiones...pues se cree mejor de lo que es (debido, repito, a un guión por momentos inverosimil) ; y que, por mucho que diga la gente...la original mexicana, me pareció mucho mas interesante, mas consecuente con su premisa (y eso que tenía cosas en el guión de juzgado de guardia...imaginense el nivel cuando este remake supera esa sensación) y mas entretenida, desde luego.

La escena: la hermana mayor perdiendo la virginidad...y lo dejo ahí.
Pregunta : ¿ por qué esas críticas tan elogiosas a un remake que será elegante y con buena atmosfera, pero con un guión con mas agujeros de guión que un queso grouyere?

Resumiendo, Somos lo que somos me ha supuesto una decepción, y sin dudarlo, el film mas flojo de su director debido a un guión que pide un salto de fé al espectador demasiado grande en algunas de sus situaciones cuando su planteamiento es realista en su tono...algo que choca muchísimo con un film dramático perturbador al que se ha descuidado su desarrollo. Cierto es que se aleja de la original lo máximo que puede, y se agradece, pero de poco sirve cuando no me creo el relato que me estan contando...eso si, tecnicamente...ningún reproche.

GENERALIZANDO: aburrido e inferior remake
Puntuación: 4,5

La Teoria del Todo

Argumento:Narra la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking (Eddie Redmayne) y su primera mujer Jane (Felicity Jones), en la época en que ambos lucharon contra la enfermedad degenerativa que postró al genio en una silla de ruedas

Lo mejor : sin duda, Eddie Redmayne, el mayor reclamo para recomendar esta película, pues su interpretación no resulta para nada fácil, y aunque haya instantes que pueden encaminarse por el terreno fácil (cuando su enefermedad aun no está vigente), hay instantes que resultan sobrecogedores (Stephen tranmitiéndo a su mujer, cerca del final, una noticia importante), y su parecido con Hawking es alucinante; una estupenda Felicity Jones, que soporta su papel de esposa con gran determinación y con mayor peso a medida que avanza la película ; se nota el peso de los actores a medida que avanza el film, y con él, la película sube como la espuma al depositar la confianza en estos (que son lo mejor de la película...atención a la excelente actriz que encarna a su cuidadora); un ritmo solido, que impide que el film decaiga en cualquier tramo del mismo ; los instantes de crudeza en la enfermedad de Stephen...son los momentos mejor dirigidos (la escena de la ópera) y en algunos casos consiguen impactar (el silencio sepulcral cuando le comunican su enfermedad); el magistral trabajo de maquillaje (lo dicho...Redmayne se transforma en Hawking de forma que no emos a un actor bajo su piel); y la correción de todos sus apartados...pasando por un bonito trabajo de fotografía, una música elegante de Johan Johansson ( y que ganó el Globo de Oro), una puesta en escena eficaz...no hay nada que desentone en la producción...

Lo peor: unos primeros minutos (30 minutos...de ahí es nada) que me hacían temer lo peor...pues es como si fuera la versión edulcarada de Una mente maravillosa (y ya es decir, asi que imaginen), sin ningún tipo de tacto con momentos sonrojantes de lo plumbea y pastelosa que es (la historia de amor no posee ni química ni nada por el estilo), sin que haya un atisbo de interés en lo que se nos está contando...menos mal que mejora considerablemente ; que una película de Stephen Hawking se centre primordialmente en temas matrimoniales de infidelidad y amor...dice mucho del "interes" sobre las teorias de este señor ; y que su correción le impide ir mas allá de sus posibilidades.

La escena: la cena entre Hawking, su mujer y el profesor del coro de la iglesia.
Pregunta: ¿ que pinta Emily Watson en esta producción? Lo suyo parece un cameo...

Resumiendo, La Teoria del Todo me pareció algo tramposa, pues parece que estamos ante un producto prefabricado para agradar a todo tipo de público (pensándolo...así es) durante una primera parte donde estuve a punto de dejarla debido al poco interés que se muestra en la historia y en lo poco convincente que resuklta todo...pero afortunadamente, el director deja que el peso de sus actores guie la película, y se nota de forma notable, además, de que se nota un mayor interés en su relato sin que se torne aburrido dejando que te atrape poco a poco. Eso si, quien busque ideas científicas que se ponga otra película...al fin y al cabo,La toeria del todo, es un biopic mas que consigue su proposito de agradar a todo tipo de público, y en eso, no le restaré merito.

GENERALIZANDO: correcto biopic muy bien interpretado
Puntuación: 7

Whiplash

Whiplash comenzó su trayectoria de la mejor manera posible: en el Festival de Sundance. Allí se alzó con dos premios, el de Mejor Película y el Premio del Público ni más ni menos. Las críticas que se vertieron sobre ella no podían ser mejores, y la tachaban como una de las películas mas importantes del año. Este tipo de marketing a veces, juega una mala pasada en una película, pues películas que han triunfado en Sundance son muchas y sus resultados (a veces) distaban mucho de ser excelentes (aún recuerdo las elogiosas críticas de Juno de Jason Reitman…cuyas expectativas no se vieron cumplidas por mi parte a pesar de que era una cinta meramente agradable), y temía que con esta película pasara lo mismo. Siendo unánimes los premios que se está llevando a Mejor Actor Secundario para J.K.Simmons, quedaba por ver si Whiplash cumplía las expectativas que bien marcan su cartel (no hay hueco que no remarque lo excelente que es). Pues bien, otra vez me como mis palabras, por que después de su visionado me ha dejado muy claro que estamos ante la mejor película del 2015 sin discusión.

La sinopsis oficial dice así: Andrew Neiman (Miles Teller) es un joven y ambicioso baterista de jazz, absolutamente enfocado en alcanzar la cima dentro del elitista conservatorio de música de la Costa Este en el que recibe su formación. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza, ansía convertirse en uno de los grandes. Terence Fletcher (J.k.Simmons) un instructor bien conocido tanto por su talento como por sus aterradores métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del conservatorio. Fletcher descubre a Andrew y el baterista aspirante es seleccionado para formar parte del conjunto musical que dirige, cambiando para siempre la vida del joven. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección rápidamente se convierte en obsesión, al tiempo que su despiadado profesor continúa empujándolo hasta el umbral de sus habilidades…y de su salud mental.

No sabría ni por donde comenzar a citar las innumerables virtudes que posee Whiplash. Quizá lo que mas me llamo la atención del film, es que de un tema que, personalmente, me interesaba bien poco, consiguió que no despegara el interés de la pantalla en ni un solo segundo. La fuerza y contundencia narrativa de sus directores es tan aplastante, que es imposible no entrar en el relato, cargado de una intensidad brutal que en todo momento nos deja, dicho coloquialmente, con el culo torcido. Es como si sus creadores cogieran la quinta marcha y de ahí no bajan…eso es Whiplash. Una intensidad emocional  que está manejada con una precisión maravillosa y que sabe en todo momento cómo manejar las tensas situaciones que el propio relato plantea (la tensión que se respira en cada uno de los ensayos de Fletcher es tremenda...hasta el espectador siente como si estuviera allí presenciando ese infierno).

Un relato, por cierto, que puede parecer sencillo y predecible en su estructura (muchacho quiere triunfar en el mundo de la música…y de esas hay miles), pero cuyo desarrollo toma caminos completamente distintos, mostrando un discurso sobre el sacrificio que deja, literalmente, sin habla. Un sacrificio que toma como base el modelo del “sueño americano” desde un punto de vista tan radical que resulta incluso incomodo. Especialmente en una descripción de personajes perfecta donde no hay blancos o negros, sino grises: nuestro protagonista nos es descrito como un muchacho humilde (y tímido) pero que no tiene límites a la hora de pisar y sacrificar  a otros con tal de alcanzar su objetivo (atención a la relación que mantiene con una empleada del cine...parece que el relato puede decaer ahí, pero resulta imprescindible para ver el nivel de sacrificio de Andrew por su objetivo) y Fletcher lo sabe…exprime esa idea del triunfo hasta límites inaguantables por una sola idea que no soporta y que es la que mueve todo el film…el conformismo. Una obsesión que el personaje de Terence intenta inculcar sin que encuentre su objetivo.

Por eso, la lucha de estos dos personajes por conseguir sus metas resulta bien ilustrada, por que comprendemos a sus personajes, a pesar de que no podamos estar de acuerdo con sus principios. Y es ahí donde el papel de sus actores brilla con luz propia: Miles Teller está impecable, mostrando la transformación emocional de su personaje de forma magnifica, y cada ve que toca la batería hipnotiza la pantalla; pero es J. K. Simmons el que, merecidamente, se llevará todos los elogios pues su interpretación en Whiplash es de una energía, sencillamente, deslumbrante…desde su primera aparición, la presencia de su personaje impone de tal forma que se ha creado uno de los personajes mas memorables que nos ha deparado el cine durante estos últimos años (una especie de Sargento Hartman de La Chaqueta Metálica), y su manera de mostrarnos su lado mas cruel y su lado mas humano hace que el público empatice con el personaje de forma inmediata.

¿El resto? Igual de maravilloso. La puesta en escena de Damian Chazelle (un nombre a tener en cuenta) sigue unos parámetros correctos a la hora de mostrarnos la vida de Andrew, pero cuando la música hace acto de presencia, el director saca toda su rabia (como los personajes), y nos sumerge en una montaña rusa musical intensa donde la energía no decae en ni un solo instante, gracias en parte a un montaje SOBERBIO que aprovecha cada uno de estos momentos como si fuera el último (por no hablar de su apoteósico clímax final), y siendo la culpable de que el film vaya con un ritmo espectacular. Respecto a la banda sonora…primordial, necesaria, brillante…podría seguir y no parar, pero, fíjense que el jazz no es de mis géneros preferidos, y en este film adquieren un cariz increíble.

Whiplash es una patada de rabia. Una patada que sienta maravillosamente bien, dejando una sensación de haber presenciado una película que no conoce de puntos flacos. El final, como sus personajes, nos deja exhaustos…exhaustos de GRAN CINE. Esa es la sensación final que deja esta película…tenía que venir una película independiente para darnos con un canto en los dientes a aquellos que aún no creían en la magia y en el poder del cine. Whiplash ha venido para callarnos a todos y a gritar de rabia…lo mas cercano a una obra maestra que veréis este año. De visionado obligatorio.

GENERALIZANDO: OBRA MAESTRA

Puntuación: 10

P.D.: crítica escrita para Factoría del cine, por un servidor

Siempre Alice

Siempre Alice parece estar dedicada a todas aquellas personas que han sufrido la enfermedad del Alzheimer de alguien cercano. Digo esto por que la opinión de la película va a depender ,de manera subjetiva, de la opinión del espectador hacia esta cinta. Lo aviso, primordialmente, por que el tema que trata este film habla sobre algo que me ha tocado vivir muy de cerca en el entorno familiar, de manera que, aunque intente ser objetivo, lo mas seguro es que otro espectador que no haya sufrido un caso similar no tenga la misma sensibilidad sobre el tema que otro que lo haya sufrido en sus propias carnes. En ese sentido, Siempre Alice nos habla de lo duro que es enfrentarse a semejante enfermedad y cómo lo viven el resto de sus familiares (aunque en este caso el protagonismo se centra en la que lo padece). Y después de visionar el film, desde luego, muy correcto, he de decir que plasma perfectamente ese sentimiento de impotencia ante una enfermedad que no tiene cura y que, psicológicamente, es muy dolorosa.

La sinopsis oficial dice así: Alice Howland (Julianne Moore), felizmente casada y madre de tres hijos adultos, es una conocida lingüista que empieza a olvidar algunas palabras. El devastador diagnóstico de alzheimer de inicio precoz pone a prueba las relaciones familiares. Su lucha por seguir conectada a la persona que fue es desgarradora, conmovedora y estimulante.

Un aviso, especialmente a aquellos que han padecido la situación en sus carnes: llevaros kleenex. Lo digo, por que el film retrata muy bien esta enfermedad con situaciones dramáticas que, cualquiera que lo haya sufrido, se verá reconocido en la pantalla. Y sobre este tema quería hablar yo, y no precisamente como algo positivo: hay instantes en Siempre Alice que busca tan desesperadamente la lágrima fácil que resulta demasiado manipulador, con unas intenciones que, aunque agradecidas, resultan demasiado evidentes (hablo del la escena de la convención, cuyo excelente discurso se va por agua de borrajas ante una puesta en escena que usa una evidente música dramática y muestra a todos los presentes con lágrimas en los ojos...en resumidas cuentas, el director te dice que tienes que llorar si o si).Con esto quiero decir que no hacía falta exaltar el drama de la cinta para sacar las lágrimas del espectador de forma evidente, pues el tema tratado ya es lo suficientemente dramático de por sí como para hacerlo aún mas obvio.

Pero es en los detalles donde esta película acierta…detalles que se deben, principalmente, a la interpretación de Julianne Moore, que, como siempre, está esplendida. El proceso de cambio que sufre el personaje está muy bien tratado por sus creadores, y lo cierto es que vemos cada fase del proceso que sufre la protagonista. Es cierto que el film peca de elipsis en el tiempo demasiado bruscas y poco claras, pero nunca nos aleja de Alice, que es lo principal, y lo cierto, es que es tan creíble su progresiva pérdida que conmueve presenciarlo. Especialmente unos 20 minutos finales donde el film pone la mano sobre la mesa y nos muestra, tal cual, como se sufre esta enfermedad en su fase plena (la escena final resulta desgarradora por una interpretación de su actriz inmensa…).En ese sentido, Julianne Moore consigue ser el personaje y su transformación la plasma tan bien que solo caben alabanzas a su trabajo (los balbuceos, esa mirada perdida...).

Está claro que Siempre Alice es un film para el lucimiento de su intérprete principal (es mas, ella es el pilar fundamental de la película), pero el resto del reparto tampoco desmerece: Alec Baldwin cumple correctamente en la piel de marido que debe sufrir en sus propias carnes la enfermedad de su esposa (aunque su personaje quede desaprovechado); Kate Bosworth está estupenda en su rol de hija mayor (y cuyo tratamiento en el guión me pareció de lo mas interesante); y Kristen Stewart, lo cierto, es que sorprende para bien, y aunque carezca de la intensidad necesaria que siempre se le echa en cara a la actriz (con razón), cumple muy bien y consigue que su personaje resulta creíble (atención a su cara cuando Alice la felicita por su trbajo como actriz…).El entorno familiar , de clase media, aunque es cierto que se pudo aprovechar de forma mas intensa, conmueve a base de sencillez y credibilidad.

Es cierto que si a algo se le puede achacar al film es de que no se diferencia del típico drama de sobremesa que transmiten los fines de semana, debido a una puesta en escena, que aunque intenta darle un toque personal (la cámara desenfocando objetos y personas o la sequedad de sus últimos minutos), resulta de lo mas funcional. También debido a su forma evidente de buscar la lágrima fácil a través de una música sensiblera de Ilan Eskheri, que aun con todo, funciona…y seguramente el público que no haya sentido ningún tipo de conexión con esta enfermedad, los sentimientos que transmite el film no les llegará de la misma manera que a otros, aunque afortunadamente, conocerán el sufrimiento de las personas que lo padecen, al igual que sus familiares.

Familiares y pacientes a los que ésta película, desde luego, conoce muy bien. Siempre Alice nos recuerda que, a pesar de las adversidades de la vida, siempre tenemos el amor de alguien: un marido, un padre, una madre, un hijo…Un amor que no conoce de enfermedades y que es lo único que nos sustenta el alma. Puede que ésta película será una mas para muchos de ustedes, pero para los que hemos sufrido esta enfermedad de cerca, llega a calar hondo al transmitir la sensación de que no estamos solos, que hay alguien que nos comprende, que nos entiende…y todo a través del cine. Gracias por este regalo.

Crítica dedicada a mi abuela, que falleció a finales de año a causa de esta enfermedad, y a todos aquellos que lo han sufrido de cerca o lo han padecido.

GENERALIZANDO: creíble retrato de Alzheimer

Puntuación: 6,5

P.D.: crítica escrita para Factoría del cine por un servidor

The Babadook

The Babadook se ha convertido por meritos propios, en el “sleeper” mas importante del año.Y no precisamente por su éxito de taquilla (aunque es algo que aun está por verse cuando tenga mas promoción), sino por su unánime recepción crítica en un género tan desprestigiado como el terror. Su paseo por diversos festivales consiguieron que el boca oreja funcionara de maravilla, y lo cierto, es que antes de su paso por el Festival de Sitges, ya le presté atención a una producción que, primero, era una ópera prima (de Jennifer Kent…cómo se agradece ver a mujeres bajo el mando de la dirección en un género como éste) con un presupuesto ínfimo, y que todo el mundo que la había visto la calificaba como una de las mejores películas de terror de los últimos años. Algo que se corroboró en el Festival de Sitges, cuya recepción fue fantástica, y por la que obtuvo el Gran Premio del Jurado y el de Mejor Actriz. Miedo me daba el hecho de que las distribuidoras no prestaran atención a una película que era la comidilla de muchos fanáticos del género de terror (y que está obteniendo el premio a mejor ópera prima en varios certámenes serios)…pero he aquí, que por el bien del sentido común, llega a nuestras pantallas The Babadook. Dos cosas: estamos de enhorabuena por el hecho de que se estrene esta película en nuestro país, y segunda…las opiniones no iban desencaminadas, pues será, con toda probabilidad, la mejor película de terror del año.

La sinopsis oficial dice así: Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia (Essie Davis) continúa perdida intentando educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos.Cuando un inquietante libro de cuentos llamado “The Babadook” aparece en su casa, Samuel se muestra convencido de que el Babadook es la criatura sobre la que ha estado soñando. Cuando sus alucinaciones entran en una espiral fuera de control, se vuelve impredecible y violento. Amelia, muy asustada por el comportamiento de su hijo, se ve forzada a medicarle. Pero cuando comienza a vislumbrar una presencia siniestra a su alrededor, Amelia poco a poco se da cuenta de que aquello sobre lo que Samuel la ha estado advirtiendo puede ser real…

Hay que tener en cuenta una cosa: The Babadook no pone las cosas fáciles al espectador. Es un aviso para aquellos que se piensen que esta película es una continua sucesión de sustos o escenas de tensión...no lo es. Primordialmente, esta ópera prima se centra en el drama, y es a partir de ahí donde su directora y guionista Jennifer Kent, recurre inteligentemente al terror…un terror psicológico y físico que huye de efectismos fáciles, adoptando la postura del minimalismo (cuanto menos se enseñe…mejor).Y acierta de pleno gracias a un guión que juega con el espectador de forma maravillosa , desarrollando la historia de la forma mas angustiosa posible…por que la sensación final que deja  The Babadook es la de haber asistido ante un drama angustioso que deja mal cuerpo por el tema que plantea y que es mucho mas terrorífico de lo que parece a simple vista. Desde luego, el debate una vez finalizado el film, está garantizado…

Y mas merito si cabe cuando el guión y la dirección se encuentran en la misma persona realizando su primer trabajo tras las cámaras con resultados harto notables, pues su directora, Jennifer Kent, se arriesga tratando temas polémicos sin que salga en ningún momento mal parada o se le vaya el relato de las manos. Sobre todo por lo bien que diferencia los dos puntos de vista que intenta tratar el film, sin que en ningún momento lo recalque de forma evidente. El trabajo de fotografía (que, como he dicho antes, destaca por utilizar los mínimos elementos posibles) y la banda sonora ( atención a esa nana perturbadora para el tema de The Babadook) hacen el resto para una película que, desde luego, consigue generar mal cuerpo por los temas que plantea y cómo los plantea. Y no os preocupéis…posee alguna escena de tensión muy bien construida que hará que te retuerzas en el asiento (y su última media hora te tiene ganado por completo)…

Pero el pilar fundamental por el que se sostiene esta cinta es el trabajo de su actriz principal, Essie Davis, actriz que hemos visto como secundaria en varios films (La joven de la perla) y que aquí toma el control absoluto del relato. El “tour de force” que se marca la intérprete es IMPRESIONANTE, pues gracias a un personaje que sobre el papel es de lo mas jugoso, la actriz lo eleva hasta un nivel increíble, repleto de matices y con una carga dramática que su protagonista sabe llevar de la mejor manera posible. El esfuerzo físico y psicológico de su última media hora es digno de mención, pues cuando el relato pone las cartas sobre la mesa…la actriz hace lo mismo y se explaya ante una interpretación espectacular (su premio en Sitges a Mejor Actriz se queda corto). No menos destacable resulta la interpretación del pequeño Noah Wiseman, pues resulta impecable, y en la primera media hora…os garantizo que es de los niños mas odiosos que vas a ver en una pantalla de cine (realizado con ese propósito, está claro).

The Babadook se ha convertido por meritos propios en uno de los films mas comentados del año, por el simple hecho de hacer un cine de terror serio y adulto fuera de efectismos y que trate algo tan real de forma que parezca incluso fantástico. Una cinta muy recomendable, que, desde luego, entrará a formar parte de lo mas destacado del año 2015…y eso que acabamos de empezar el año. La cita ineludible de esta semana tiene nombre y se llama The Babadook…sin duda, la mejor película de terror del año..

GENERALIZANDO: la mejor película de terror del año

Puntuación: 8,5

P,D.: crítica escrita para Factoria del cine, por un servidor